155호 – 페이지 2 – 영화진흥공화국

“밴디다스”, 아기자기하고 유쾌발랄한 은행강도 영화

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이 영화는 옛날식 서부영화와 아웃로(Outlaw) 영화들의 문법을 흉내내면서도 훨씬 경박하고 경쾌합니다. 각본이 재치 만점입니다. 두 사람의 명확한 성격(및 출신성분)의 대조랄지, “셀마 헤이엑”의 귀여운 공주병이랄지, 두 사람이 은행을 터는 각각의 아기자기한 방식이나 그 와중에 벌이는 티격태격, 또 위기를 벗어나는 방식… 모두, 재치가 흘러넘치면서 자연스럽게 웃음을 끌어냅니다.

극장에서, 진정으로 재미있고 즐거워서 크게 웃음소리를 내는 것도, 다른 관객들이 그런 웃음소리를 내는 걸 듣는 것도 꽤 좋았을만치 옛날 은행강도 영화식의 낭만이 살아있으면서도 현대영화식 경쾌한 개그가 있습니다. 꽤 성공적으로 조합했다고 봐요.

좁은 공간 내에서의 액션씬도 나쁘지 않았어요. 열차 안에서 총격씬이랄지, 은행을 털 때마다 나오는 아이디어들, 그리고 그 시대 CSI 요원이라 할 수 있는 쿠엔틴 쿡(“스티븐 잔”)의 캐릭터도 재미있었습니다. 최첨단 과학을 차용해 수사를 펼치려 하지만, 굉장히 맹한 인물이기도 한 이 남자, “스티븐 잔”에게 정말 적역이었습니다.

성격 급하고 단무지인 마리아 캐릭터가 “페넬로페 크루즈”에게 그렇게 잘 어울릴 줄 몰랐습니다. 이 언니는 너무 고져스한 외모 때문에 항상 여신으로만 나왔잖아요. 총쏘는 폼도 아주 우아하고 멋지던걸요. 반면, 매 영화마다 굉장히 강한 캐릭터로 나오던(이것도 사실 헐리웃의 인종적 편견에 의한 것이지요…) “셀마 헤이엑”이 보여주는 사라 캐릭터의 페미닌한 소녀의 매력도 아주 잘 어울렸습니다.

초반에 둘이 우다다 싸우는 장면들은 확실히 남자관객들을 겨냥한 장면같아요. 여자 둘이 머리 끄댕이 잡고 싸우고 망가지면서 은근히 레즈에로물 같은 느낌을 주는 그런 거. 근데 그게 그렇게 눈에 거슬리진 않습니다. 꽤 귀엽고 코믹하게 처리가 돼서. 하지만 이렇게 아웅다웅하면서도 후반으로 갈수록 강해지는 우정, 그리고 오바하지 않고 민망하지 않게 나름 찡한 장면을 만들어내는 것도 꽤 즐거웠습니다.

사실 둘은 신분상 결코 친구가 될 수 없는 사람들이지요. 지주의 딸과 소작농의 딸이라는 설정 외에도, 인텔리와 비-인텔리라는 차이점도 존재합니다. 하지만 이들은 파트너 및 동료로, 또 친구로 우정을 쌓아갑니다. 사라가 마리아에게 ‘존경한다’고 말하게 되는 것은 사실, ‘민중의 생생한 힘’을 깨닫게 되는 인텔리의 모습이기도 해요.

게다가 정서가 의외로 비-미국적이에요. 사실 이 영화는 미국 자본이 안 들어갔습니다. 굳이 말하면 유럽산이죠. 2차대전 일으키고 전 세계를 상대로 경쟁적으로 땅따먹기 놀이를 했던 유럽의 소위 선진국들이 미국 까는 걸 보는 건 우리같은 제3세계 국가 사람 눈엔 우습기 매한가지이지만, 그래도 미국은 현재 그런 소위 선진국들조차 반감을 드러내는 전세계 악의 축이 아닙니까?

남미 먹으려고 안달하고, 금융자본으로 밀고 들어가서 민중들 삶을 쑥대밭으로 만드는 게 없었던 일도 아니고, 현재에도 전세계 여러 곳에서 여전히 진행되고 있는 일인걸요. 사실 그런 현실에 대한 꽤 직설적인 비유이기도 합니다. (너무 직설적이라 ‘비유’라고 하기도 민망하지요.) 그 와중에 이 언니들의 은행강도짓들은 나름의 도덕적 정당성을 얻게 됩니다. 오죽하면 수사관이 동참을 하냔 말이죠.

하긴, 원래 미국에서 그토록 아웃로 영화들이 성행했던 것도 사실은 1930년대 대공황에 대한 기억과 전쟁 때 한몫잡고 대공황 때 위세를 크게 떨친 금융자본들에 대한 반감 때문일테니까요. 그리고 바로 그 이유 때문에, 워낙 제도교육을 통해 굳어진 머리로는 계속 조마조마한 위기감을 느끼면서도, 제 가슴은 은행강도 영화에 그렇게 호감을 느끼는 것이겠죠.

이 언니들이 그저 ‘소박한’ 동기에서 은행강도로 활약하다 사형대로 잡혀가는 길에 마을 사람들에게서 구조받고서 (엉겁결에, 혹은 분위기에 휩쓸려) 외치게 되는 “멕시코 만세!”도 (그 민망함에도 불구하고) 꽤 찡하죠. 민족주의나 국가주의나, 적어도 억압받는 시절에서는 저항하는 이들을 묶어주고 단결시켜주는(그리고 나의 한계를 벗어나 다른 이를 생각하게 해주는) 이데올로기이기도 하니까요.

아주 즐거운 영화입니다. 삶의 피로와 더위가 주는 피곤에 지치신 분들께 당장 구해서 감상해 보시라 권하고 싶군요. ^^

영진공 노바리

“써커 펀치”, 자유분방한 상상력과 표현력이 주는 쾌감

잭 스나이더 감독의 다섯번째 장편 연출작인 동시에 처음으로 다른 원작 없이 오리지널 시나리오를 통해 만들어진 작품이다. 잭 스나이더 감독 자신의 원안을 바탕으로 스티브 시부야와 함께 공동 각본을 완성해냈다. 그래서인지 지나치게 게임식 진행 방식에 의존하고 있다거나 설득력이 완전 부족한 – 한 마디로 눈요기 거리 그 이상도 이하도 아닌 작품이라는 평을 많이 듣고 있는 편이다.

하지만 개인적으로는 영화를 보러 가기 전에 기대치를 잔뜩 낮추었던 덕분인지 꽤 재미있게 보고 나올 수 있었던 작품이다. 가급적 대형 스크린과 훌륭한 사운드 시스템이 잘 완비된 상영관에서 봐야만 최소한 <써커 펀치>의 현란한 액션 스펙타클을 만끽할 수 있으리란 생각을 한다. 물론 한 편의 영화로서 갖춰야 할 스토리텔링의 완성도는 그와는 별개의 문제이긴 하다.

* 스포일러가 있습니다 *

어차피 대단한 걸작을 기대했던 것도 아닌 바에야 뭐 하나 참신한 구석이라도 있는 편이 지나치게 정형화된 스토리텔링을 반복하는 일 보다 차라리 낫게 받아들여질 수도 있지 않나 생각한다. <써커 펀치>는 내러티브의 완성도라는 측면에서는 다소 어설픈 느낌을 주는 것이 사실이지만 그 대신 화려한 비주얼과 스펙타클에 있어서 만큼은 보기 드물게 자유분방함을 만끽할 수 있게 해주는 작품이다.

이따금 TV에서 화려한 컴퓨터 그래픽으로 만들어진 게임 CF를 보면 차라리 저런 비주얼로 만들어진 장편 영화를 보고 싶다는 생각을 하곤 했는데 <써커 펀치>는 마치 그런 상상력과 욕망을 실제로 구현해놓은 듯한 장면을 연출해낸다. 꿈 속이거나 게임 속 상황이 아니고서는 도저히 있을 수 없는 황당하면서도 거침 없는 액션 활극이 장르별로 다양하게 펼쳐지는 작품이 <써커 펀치>라고 할 수 있다.

그러나 영화 관객의 일반적인 요구란 화려한 비주얼과 액션을 있는 그대로 즐기는 것에 만족하지 못하고 그런 장면들이 펼쳐지게 되는 충분한 이유와 전후 맥락 상의 사실성까지 필요로 하기 때문에 문제가 된다. <써커 펀치>에서의 화려한 액션은 말하자면 베이비 돌(에밀리 브라우닝)이 음악에 맞춰 춤을 추는 동안에 빠져드는 혼자만의 상상 속 세계, 또는 그에 관한 은유법이라고 할 수가 있는데 이런 식의 설정은 다른 영화에서는 도통 본 적이 없었던 경우라서 무척 참신하기도 하지만 다른 한 편으로는 자연스럽게 받아들여지는 것이 아니라 “자, 그렇다 치고” 하는 기분으로 따라가야 하는 것이 사실이다.

혹시나 베이비 돌이 춤을 추는 동안 머리 속으로 한바탕 전쟁을 치루는 상상을 한다는 설정 자체가 말이 안된다고 생각한다면 이 점을 되새겨보길 바란다 – 주인공이 베이비 돌이라 불리며 사람들 앞에서 춤을 추는 상황 자체가 이미 주인공의 상상 속에서 일어나는 일들이라는 사실을.

개인적으로 영화 <써커 펀치>에 문제가 있다고 한다면 그것은 정신병원에 갇힌 소녀의 상상 속 세계를 형상화하고 있는 설정 부분에 있는 것이 아니라 그것이 갖고 있는 의미, 영화의 주제이자 메시지 또는 이런 이야기를 영화로 만들게된 이유에 대해 영화 전체적인 이야기의 흐름을 통해 자연스럽게 전달하는 것이 아니라 영화가 끝나기 마지막 몇 분 동안에 등장 인물의 대사(나레이션)으로 성급하게 정리를 해버린다는 점이 아닌가 싶다.

영화가 던져주는 메시지라는 측면에서 <써커 펀치>는 <매트릭스> 3부작의 그것과 적잖이 비슷한 맥락을 유지하고 있는 것으로 보여지는데, 러닝타임의 대부분을 게임식 스펙타클의 전시에 할애한 뒤에 막상 영화의 주제는 ‘말로 때우는’ 식은 어떠한 경우에라도 환영받기 어려운 접근 방식이기 때문이다. 영화를 다 만들고 나니 관객들이 영화의 본 뜻을 잘 이해해주지 못할 것 같아서 나레이션을 추가로 구성해 넣은 것이든 아니면 처음부터 주제 부분은 적당히 말로 떼울 생각이었든지 간에 결과는 마찬가지다.

그럼에도 불구하고 개인적으로 <써커 펀치>를 꽤 재미있게 봤던 탓에 작품의 수준을 놓고 맹비난을 하고 싶은 마음은 털끝 만큼도 없다. 수준 높은 작품은 아니지만 적당히 볼만 했다, 라는 정도로만 언급하기에는 오히려 – 잭 스나이더 감독의 영화들이 대체로 그렇듯이 – 혼자만 보기에는 몹시 아까운 훌륭한 구석도 많은 작품이었다고 생각한다.

표면적으로 베이비 돌을 중심으로 하는 5인조 걸파워 액션을 내세우고 있지만 일단 액션 씨퀀스가 시작되면 정말 다들 진지하게 액션에만 열중하는 모습이라서 등장 인물들이 처해있는 열악한 상황에 비해 막상 관객들 앞에 펼쳐지는 것은 오히려 순수한 액션 그 자체로 제한하고 있다는 인상이다.

눈치 빠른 관객이라면 각각의 전투 장면에서 주인공들이 다치거나 죽게 될 일이 없다는 것 쯤은 쉽게 알아채고 – 그 만큼 긴장감은 덜 할 수 밖에 없겠지만 – 자세를 편하게 하고 눈 앞에 펼쳐지는 액션의 향연을 얼마든지 즐길 수 있으리라.

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영진공 신어지

“Alone Again”, 임달균 퀸텟이 펼쳐내는 최선의 비밥

[ 2005, 한국, Take one/유니버설 ]

한국 대중음악계 거의가 그러하듯, 재즈계 역시 그 쬐끄만 영역 안에서도 편식이 심각하다. 퓨전에 대한 어마어마한 집착에 비해 모던 재즈, 그 중에서도 비밥 성향의 음악인을 찾기란 참으로 힘들다. 여기서 잠깐, 비밥이 194,50년대 재즈 아닌가라고 이야기한다면 트로트는 일제 강점기의 음악 아니었냐고 반문하고 싶어지니 이 얘긴 담 기회로 미룬다.

오늘 내가 꺼내 듣고 있는 색소폰 주자 임달균의 첫 번째 독집 음반은 한국 재즈계에서 참으로 만나기 힘든 비밥 성향의 음반이다. 나의 비밥에 대한 개념은 Charlie Parker나 초기 John Coltrane이 아니라 Sonny Rollins를 통해 틀 지워졌다는 걸 생각한다면, 이 음반은 한참이나 비밥의 박력(?!)에서 멀리 떨어져있다. 그럼에도 정석적인 스윙 위에서 잘게 나눠진 코드를 피아노(임미정), 색소폰(임달균), 트럼펫(Darren Barrett)이 교차하고 협주하는 모습은 기본적으로 비밥의 그것이다.

어쩌면 비밥은 그 구성원리 – 쿨/모달 재즈의 창조적인 음의 나열에 비해 코드의 나열이라는 단순한(?크억!) 전통방식으로 조제되야 맛이 난다는 점 – 부터 현대의 젊은 연주인들과 멀어질 수 밖에 없는 것인지도 모르겠다. 그러나 이 음반은 모달에 비해 훨씬 심플해 보이는 비밥이 연주인과 달리 청취자 사이에선 꾸준히 사랑받는 아이템인 것인지 단적으로 보여주고 있다. (아닌가? 아님 말구. 어쨌건 난 비밥이 좋더란 말이지!!!) 아예 이 음반은 전반적으로 코드와 코드 사이에 과다한 테크닉을 줄이고 순수한 음을 나열하여 비밥의 심플한 맛을 강조한다.

임달균은 호쾌한 블로잉 보다는 섬세하고 멜로디에 집착하는 모습을 드러낸다. 그러나 그것이 오히려 이정식(비밥 스타일의 음반을 몇 장 발표했고 상당한 수준이었다)의 너무나 강렬해서 때로 다른 파트를 주눅들게 하는 연주에 비해 훨씬 부드러운 이미지를 갖는다.

독집 음반(2003)에서 피아노 트리오를 중심으로 부드러운 쿨 재즈를 선보였던 임미정의 피아노는 그래서 임달균의 연주 성향과 상당히 조화롭다. Darren Barrett의 트럼펫은 리더인 임달균을 체이싱(Chasing)하는 수준을 넘어 때로 긴 솔로의 중심을 잡아주는데, 요런 대목에서 이름값 톡톡히 한다고 말할 수 있다.(혹, 이름값 때문에 그렇게 들리는 건가…. –;)

전반적으로 최고의 음반이라기 보다 최선의 음반이다. 이 말은 이 음반의 질이 낮다는 것이 아니라 한국의 재즈 상황에서 음반으로 만날 수 있는 최선의 비밥이란 얘기다. 몇 해 전 여름이었던 것 같은데, 그는 무대에서 Sonny Rollins의 곡을 연주했었다. 사실 (재즈에 젬병인)나는 임달균이 누구의 곡이라고 말하지 않았다면 전혀 상상하지 못했을 정도의 매끄러운 스타일로 그 곡을 소화했던 것이다.

그리고 난 노란색 커버가 있는 음반은 이상하게 좋게 들린다. Coleman Hawkins에서 Stryper를 지나 P-Type에 이르기까지 …… ^^;;;

영진공 헤비죠

“한나”, 소녀적 감성의 성장과 탐험

<오만과 편견>(2005), <어톤먼트>(2007), <솔로이스트>(2009)에 이은 조 라이트 감독의 네번째 장편 영화다. 시대극과 드라마로 알려진 감독이신데 갑자기 16살 나이의 소녀 살인병기가 등장하는 총기 액션물이라니, 그러지 말라는 법은 없지만 어쩔 수 없이 의아하다는 생각을 갖고 대할 수 밖에 없게 된다.

조 라이트 감독이라면 이런 류의 영화를 과연 어떤 방식으로 풀어냈을런지 궁금했던 적이 있었다면 <한나>는 바로 그런 궁금증을 해소시킬 수 있는 절호의 기회다. 물론 그런 궁금증 해소만을 목적으로 우리가 영화를 보는 것은 아니지만 말이다.

* 치명적인 스포일러가 있습니다 *

작품의 기본 설정과 줄거리의 신선도라는 측면에서는 그리 높은 점수를 줄 수가 없는 영화다. 신비로우면서도 무시무시한 능력의 소유자 한나는 과연 어떤 출생의 비밀을 갖고 있는 것인지를 붙들고 달려보는 것이 내러티브의 기본 골격인데 주인공 한나가 “DNA 조작으로 살인병기를 만들어내고자 했던 CIA의 실험으로 태어났고 모든 실험 결과가 폐기되는 참극 속에서 유일하게 살아남은 아이”였다는 대목은 아무런 감흥을 주지 못하고 있다.

사실은 이런 한나의 출생 배경 자체가 더 이상 새롭지도 않은 너무 흔한 설정이라서가 아니라 조 라이트 감독의 연출이 이런 막후 배경이 영화 마지막 부분에 가서야 드러나는 순간에 대해 그다지 큰 비중을 두지 않고 있기 때문이라는 생각을 하게 된다. 영화를 이끌어가는 세 명의 주인공, 소녀 한나(시얼샤 로넌)와 그녀의 혹독한 아버지 역할을 해온 에릭(에릭 바나), 그리고 두 사람과 오랜 악연을 피로 매듭짓고자 하는 CIA 간부 마리사(케이트 윈슬렛)의 얽히고 섥힌 관계는 영화 후반부의 어느 시점에서야 갑자기 드러나는 것이 아니라 영화가 진행되는 동안 충분히 암시되고 있는 편이다.

조 라이트 감독이 방점을 두고 있는 것은 스릴러의 창출이나 액션 씨퀀스의 스펙타클함이 아니라 마침내 세상 밖으로 나온 어느 소녀의 감정을 탐험하는 일이었던 것으로 보인다. 핀란드의 설원에서 시작하는 영화는 한나가 CIA에 의해 발견되는 순간 북아프리카의 사막 지대로 이동한 이후 스페인을 거쳐 독일의 수도 베를린에 이르기까지 서서히 인류 문명의 발전 과정을 밟아나가는 모습을 띄게 된다.

이 과정에서 한나는 추격자들을 따돌리기도 하고 때로는 격렬한 육박전을 치르기도 하지만 감독의 관심은 그런 액션 활극의 전시 보다 백지장과도 같았던 소녀의 감정이 다른 이들과의 만남을 통해 서서히 채색이 되어가는 과정을 섬세하게 다뤄보는 쪽에 있었다는 얘기다.

결과적으로 시얼샤 로넌이 소녀 살인병기로 등장하는 흥미진진한 설정의 액션 영화 <한나>는 조 라이트 감독에 의해 액션물로서는 다소 지루한 편이기는 하되 만일 속편이 제작된다면 – 그때는 좀 더 액션물에 정통한 다른 연출자가 맡아야 상업적인 성공을 거둘 수 있겠지만 – 그 시리즈의 첫 시작으로서는 그리 나쁘지만은 않은 작품이 되었다.

언젠가 <한나>의 속편이 만들어질 경우를 대비해서 한 말씀 남기자면, 최근 액션 영화의 대세는 단연 ‘압도적인 주인공의 능력’이다. 제이슨 본 시리즈와는 다른 영화가 되도록 만들어야 한다는 강박이 <한나>에 묻어나고 있는 걸 보면 더욱 답답하다는 생각을 가질 수 밖에 없다.

우리 한나도 제이슨 본처럼 좀 더 화끈한 캐릭터로 만들어주면 안되나? 대부분 관객들이 보고 싶었던 한나의 모습은 바로 그런 부분이었을 것임에 틀림 없다. 좀 더 대담하고 강력한 모습의 20대 한나를 속편에서 다시 볼 수 있게 된다면 이번 <한나>의 비기닝은 썩 괜찮았던 출발점으로 기억될 것이란 얘기다.

영진공 신어지

“Blizzard Of Ozz”, 다시는 만들어 낼 수 없는 감동의 연속

꽤 심한 피로를 느낄 때마다 내 손은 자연히 헤비메탈 음반으로 간다. 그것도 정통파라고 불리는 쪽으로. 술이 깨지 않을 때와는 다른 양상이다.

오늘도 이상하게 이 음반으로 손이 간다. “Mr. Crowley”는 언제 들어도 소름이 확 돋고, “Suicide Solution”은 심박수를 두배로 끌어 올려버린다. “Good Bye to Romance”와 이어지는 청아한 “Dee”까지 오지와 랜디(Randy Rhoads)의 감수성은 극에 달한다. “I Don`t Know”와 “Crazy Train”의 발랄(?)하고 힘찬 리프는 기타 좀 쳐봤다는 30대 이상의 엉아들이라면 한 번 쯤 연습해봤음직한 아이템이다.

이 음반에 실린 9곡은 오지 자신도 다시는 만들어 낼 수 없는 감동의 연속이다. Black Sabbath에서 탈퇴한 후, 자신이 꿈꾸던 어두움과 밝음이 공존하는 음악 세계를 처음으로 그리고 가장 극명하게 보여준다. 이 음반은 1970년대와 1980년대 헤비메탈의 분기점에서 양자 모두의 기운을 내뿜는 독특한 음악을 가지고 있는 것도 주목해야 한다.

“Crazy Train”과 “No Bone Movie”를 비교해보라. 1980년대와 1970년대의 록 음악이 어떻게 변하는지 보여주고 있지 않은가. 이 가운데 “Mr. Crowley”는 이전 무거움에 있어서는 1970년대의 정신을, 사운드의 신선함과 기타 연주의 유러피안 클래식적인 접근은 1980년대의 진수이다. 그래서 오지의 이 음반은 두고 두고 명반 중의 명반으로 칭해지는 모양이다.

오지, 지금 돌아보면 코메디언이 된, 공연 산업의 마이더스의 손이 된, Kiss와 함께 막 살아도 잘 사는 록 스타의 전형이다. 근데, 이 음반 만들 때도 그가 그랬을까? 이 음반이 성공하지 못했다면 그는 여전히 언더그라운드의 마왕으로 남을 수 있었을까? 그냥 늘 궁금하다.

다시 들어도 Bob Daisley의 베이스 연주는 힘이 있으면서도 섬세하게 필인을 잘 넣는다. 이상하게 이 음반 = 랜디+오지(가끔 Don Airey)의 공식으로 얘기하는데, 가만히 들어보면 베이스와 드럼의 리듬 섹션도 거의 완벽에 가깝다. Lee Kerslake는 이 후 1990년대 초반까지 계속 Uriah Heep에서 연주하다가 지금은 뭐하는 지 모르겠다.

리의 연주는 상당히 부드러운 편인데, 그의 후임자인 Tommy Aldridge가 음반에서 라이브로 연주한 이 음반의 곡들과 비교해보면 분명한 차이를 느낄 수 있다. 근데… 랜디의 부드러운 기타 연주는 타미의 힘으로 꽉 찬 연주가 뒷 받침될 때 더 힘을 받는 듯한 인상이다. 아름답고 부드러운 기타리스트 중에서 강한 리듬 섹션이 있을 때 이를 감싸 안을 수 있는, 오히려 덕분에 자신이 더 빛나 보이는 유연한 연주자는 흔치 않다. 그래서 랜디의 죽음은 생각할 수록 더욱 아쉽다 T.T

영진공 헤비죠