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노튼의 헐크, 잘 어울린다.

<인크레더블 헐크>는 이안 감독의 2003년작 <헐크>의 속편일까? 그렇기도 하고, 아니기도 하다. <인크레더블 헐크>는 오프닝 크레딧이 흐를 동안 2003년작 <헐크>의 줄거리를 매우 빠른 컷들을 통해 제시하지만, 이 컷들에서 보이는 브루스 배너와 베티 로스는 에릭 바나와 제니퍼 코넬리가 아닌 에드워드 노튼과 리브 타일러다. 오프닝 크레딧이 끝나고 영화가 본격적으로 시작하는 공간적 배경은 <헐크>의 마지막 장면에서 에릭 바나의 브루스 배너가 머물고 있던 곳, 브라질이지만 이후 영화의 성격은 <헐크>와 다른 길을 간다. 분명 <인크레더블 헐크>는 <헐크>가 가지 않았던 길을 향해 가는 블록버스터이다. 그러나 <헐크>가 이전에 쌓아놓았던 성과를 굳이 무시하거나 부정하지 않은 채 심지어 일정 부분을 계승하기까지 한다.

2003년 개봉했을 당시 평단과 관객들로부터 ‘블록버스터로서는 실패작’이라는 다소 유보적인 평가를 받았고 일각에서는 저주에 가까운 혹평을 들었던 <헐크>에 대한 논의를 되짚어보면, 블록버스터라는 장르(블록버스터를 ‘장르’라 부를 수 있다면)가 새삼 얼마나 어려운 것인가 확인할 수 있다. 저 ‘블록버스터로서는 실패작’이라는 말은 참 복잡한 여러 가지 뜻을 전제하고 있다. 다른 지점에서 성취를 하고 있다는 것인데, 그러니까 진지한 평론가들, 더 정확히 표현하면 블록버스터에 대해 내용이 없다는 둥 플롯이 단순하다는 둥 의례히 회의적인 태도를 갖기 마련한 사람들도 정작 복잡하고 진지한 내용이 담긴 블록버스터에 대해서는 은근슬쩍 다른 기준을 갖다댄다는 것이다. 블록버스터는 다소 단순하고 쉬우며 자극적이어야 한다는 식의.

과연 당시 <헐크>에 대한 평을 보면 미국사회에 대한 은유라는 둥, 고전적인 희랍비극의 틀을 가져온다는 등의 평을 하고 있다. 그러나 과연 블록버스터들, 특히 슈퍼히어로나 안티히어로의 이야기 중 신화적 요소가 없는 작품이 과연 어디에 있단 말인가. 대체로 모든 블록버스터들은 평범한 / 유약하던 주인공이 힘을 갖게 되거나 뜻밖의 비밀을 알게 되면서 ‘권위있는’ 악당과 싸우게 되는데, 저 권위있는 악당이란 곧 ‘아버지 세대’ 혹은 기득권의 비유가 아니던가. 직접적으로든 간접적으로든 외디푸스의 신화는 변용되기 마련이고, <헐크>는 그걸 좀더 직접적이고 노골적으로 드러낸 것뿐이다. 브루스 배너의 적은 자신의 아버지(‘매드 사이언티스트’ 타입)일 뿐만 아니라 베티의 아버지, 즉 썬더볼트 장군이기도 하다.

좀더 섬세하고 감성적인 브루스 배너

좀더 지적이고 불쌍한 브루스 배너

한 사람 안에 있는 두 가지 극단적 인격이라는 측면에서 보통 ‘지킬과 하이드’ 모티브로 주로 해석되는 헐크의 이야기에, 이안이 강력하게 가미한 것은 ‘미녀와 야수’ 모티브이며, 소위 ‘문명화’라는 과정을 통해 야수성을 억압 혹은 거세당한 현대 남성에 대한 은유이기도 했다. 네바다 사막에서 탱크와 장갑차와 헬기를 장난감처럼 때려부수던 헐크는 베티 로스에게 향하는 먼 길을 돌아오면서 그녀 앞에서 비로소 진정을 찾고 브루스 배너로 돌아온다. 그리고 바로 이 장면에서 이안 감독은 DVD 코멘터리를 통해 “누가 뭐래도 이 영화는 사랑 영화죠.”라며 능청을 떤다. 이것이 비극적인 것은 가정으로의 귀환 본능, 혹은 가정을 이루고자 하는 욕구를 브루스 배너가 단적으로 드러내고 있지만, 그는 그녀와(혹은 그 누구와도) 결코 가정을 이룰 수 없다는 사실이다. 물론 이 영화는 정치적으로는, 레이건 시대의 강력하고 권위적인 우파 아버지 세대로부터 억압당한 클린턴 시대의 유약한 그러나 더 능력있는 리버럴한 젊은 세대에 대한 비유로 읽을 수도 있을 것이다. 거기에 이안 감독은 그가 헐리웃에서 영화를 만들 때 견지하는 예의 그 태도, 즉 ‘카메라를 든 인류학자’로서 꼼꼼하게 인간과 사회의 본성을 통찰하고 기록하는 태도를 이 영화에서도 드러낸다. 어쩌면 많은 이들이 ‘블록버스터로서는 실패작’이라고 말을 하는 것은, 실은 철저하게 미국 안으로 들어갔던 다른 블록버스터와 달리 이 영화가 오히려 미국 바깥에서 마치 지구인을 관찰하는 화성인 과학자처럼 코믹스 문화와 슈퍼히어로를 대하는 미국 대중들의 관심과 호감을 문화인류학적인 주제로 다루고 있는 태도가 헐크라는 안티 히어로와 충돌하는 지점을 느끼기 때문인지도 모른다. 그러나 그런 충돌이 과연 ‘서로 융합되지 못한 채 따로 노는’ 어색함일까? 아니면 새로운 의미를 만들어내는 매우 ‘생산적인 균열’인 것일까. 나는 후자라고 생각한다.

키스 한 번 하지 않는 커플

섹스를 시도하지만 실패하는 커플

<인크레더블 헐크>가 <헐크>를 계승하는 지점은 역시 미녀와 야수 모티브를 더욱 노골적으로 보여줬다는 것, 그래서 심지어 <킹콩>을 닮은 장면마저 등장한다는 점이다. 억눌린 현대 남성의 폭발이라는 측면은 오히려 <헐크>의 근육질 에릭 바나보다 <인크레더블 헐크>의 비쩍 마른 에드워드 노튼에게 더 잘 어울린다. 안 그래도 얼굴이 날카롭고 턱이 뾰족해 어딘가 불쌍해 보이는 노튼이다. 노튼이 각본을 매만진 <인크레더블 헐크>는 노튼의 이 왜소한 몸매를 이용한 유머가 여러 번 등장한다. 헐크에서 브루스 배너로 돌아온 뒤 늘어나고 찢어진 바지 허리춤을 붙잡고 다 찢어진 엉덩이와 허벅지를 노출하며 그토록 불쌍한 거지꼴로 시내를 돌아다니는 장면은 <인크레더블 헐크>에서만 볼 수 있다. 그러나 그런 브루스가 헐크가 됐을 때 벌이는 파괴는 <헐크>보다 더하면 더했지 덜하지 않다.

나는 이안의 <헐크>를 매우 좋아하지만(나중에 언리미티드 에디션의 DVD를 비싼 값을 주고 샀을 정도다), <인크레더블 헐크>는 <헐크> 식의 장중하고 품위있는 이야기의 무게를 뺀 대신 <헐크>에서 약했던 쾌감을 주고 있는 게 사실이다. 그것은 바로 유머와 타격감이다. 우리가 ‘헐크’라는 녹색괴물을 둘러싸고 종종 킬킬대며 주고받는 농담이 <인크레더블 헐크>에서 아주 유효적절하게 들어가 있다. 아무리 해도 찢어지지 않는 헐크의 바지는 <헐크>에서도 농담거리이긴 했지만, <인크레더블 헐크>에선 좀더 노골적인 농담으로 여러 번 드러난다. 브루스는 만약의 경우를 대비해 허리가 늘어나는 바지를 선호하며 심지어 뚱뚱한 아주머니의 널찍한 엉덩이에 바지를 대보기까지 한다. 고무줄 몬뻬 ‘보라색’ 바지에 대한 농담은 또 어떤가. 심지어 헐크를 둘러싸고 차마 대놓고 하지 못했던 성적인 농담마저도 영화에서 유머로 등장한다. 그토록 사랑하지만 베티와 브루스가 섹스할 수 없는 이유를 대놓고 묘사하기에 이르는 것이다. 게다가 타격감. 헐크가 어보미네이션과 싸우는 장면뿐만이 아니라, 그가 경찰차를 둘러 찢어 무기처럼 사용한달지 하는 장면에서 주는 타격감과 파괴감의 쾌감이 아주 크다. 건물을 부수고 도로를 엉망으로 만드는 장면들이 <헐크>에선 다소 만화처럼 가벼운 무게감으로 묘사된 반면, <인크레더블 헐크>에선 육중한 무게감과 둔한 타격감을 자랑하며 파괴의 쾌감이 더 크게 전달된다.

무엇보다도 <인크레더블 헐크>가 <헐크>보다 뒤에 나왔기에 유리한 점은 바로 그 사이에도 눈부시게 발전한 CG의 덕을 톡톡히 봤다는 것. <인크레더블 헐크>에서는 브루스 배너가 헐크로 변하는 그 과정, 혹은 헐크에서 브루스 배너로 돌아오는 과정의 신체적 변화를 바로 눈앞에서 재현시켜 준다. 이는 스턴스 박사를 찾아간 장면에서 절정에 달한다. 고소영, 정우성이 주연했던 <구미호>에서 “앞으로 CG 기술이 발전하면 묘사될 수 있는 장면”이라 상상되었던 바로 그 몰핑 기법이, 눈앞에서 생생하게 펼쳐지는 것이다. 근육 하나하나, 힘줄 하나하나가 변화는 그 과정을 보는 건 매우 경이롭다. 대낮의 컬버대학 교정에서 장갑차와 헐크가 싸우는 장면은 어떤가. 비록 피부 표현에서 여전히 CG 티가 나기는 하지만, 그럼에도 빛의 방향과 움직임에 따라 시시각각 달라지는 명암의 변화가 아주 자신만만하게 눈앞에 표현된다. 정점은 바로 <킹콩>을 연상시키는 장면이다. 밤에 번개가 치고 비가 퍼붓는 장면에서의 헐크가 묘사된 것이다. 비록 여기에서 킹콩의 피부는 시종일관 회색으로 표현되어 역시 그림같다는 느낌을 여전히 주는 게 사실이지만, 그럼에도 피부결이나 번개가 칠 때마다 근육질이 움직이는 방향이 매우 세심하게 표현된다.

역시 이야기의 깊이라는 측면에서 <인크레더블 헐크>보다 <헐크>에서 좀더 은근하고 깊은 재미를 느끼는 게 사실이지만, <인크레더블 헐크>가 주는 말초적인 감각의 쾌락 역시 쉽게 폄하하지 못할 요소이다. <헐크>와는 다른 노튼 식의 유머 역시 점수를 높게 줄 수 있는 부분. 노튼 옵빠가 블록버스터에서 낭비될까 봐 조마조마했었는데, 브루스 배너에 이 정도의 멋진 숨결과 개성을 불어넣은 건 역시 노튼이기에 가능한 부분이다. 물론 나는 에릭 바나의 브루스 배너 역시 좋아하지만, 역시 노튼의 브루스 배너가 한 수 위였음은 부정할 수가 없겠다. 문제는 역시 연출인 게지. (이안 만세!)

ps1. 마지막 장면에서 녹색눈으로 씨익 웃는 노튼 오빠의 압도적인 표정. 꺄악~!

ps2. 팀 로스 아저씨, 오랜만이에요. 그런데 아저씨가 서른 아홉이란 건 좀 사기…

ps3. 컬버대학 교정에서 싸울 때 헬기에서 박격포를 쏘자 헐크가 자신의 온몸으로 베티를 화염으로부터 막아내는 장면, 이 장면은 두 번째 볼 때도 참 짠하면서 애절하더라.

ps4. 대놓고 레슬링 흉내라니. “Hulk Smashhhhhhh~!!”에서는 정말 눈앞에 만화 말풍선이 튀어나오는 듯했다. 게다가 역시 헐크는 미녀 앞에서 무지하고 순진한 바보 머슬이었… (귀여워!!)

ps5. 마지막에 깜짝 등장하는 토니 스타크는 어쩐지 <아이언맨> 때보다 더 사악한 악당으로 보인다.

<색, 계>와 가장 유사한 영화로 <스타 워즈> 시리즈를 꼽고 싶습니다. 외세에 저항하는 반군들의 이야기이고 특히 홍콩 대학 출신의 젊은 스파이들이 목표물로 삼고 있는 매국노 이(양조위)가 다스 베이더의 포스를 뿜어대고 있기 때문이죠. 루크 스카이워커와 다스 베이더의 관계가 적대적인 관계에서 부자 관계로 전환되는 부분과(정확히는 부자 관계라는 사실이 밝혀지는 것이지만요) <색, 계>에서 왕 치아즈(탕웨이)와 이의 관계가 단순한 남녀 관계 이상으로 발전한다는 점이 내러티브 구조 상의 유사점이라고 생각됩니다. <색, 계>와 <스타 워즈>를 비교하다니, 어처구니가 없으십니까? 속 알맹이가 아니라 이야기의 골격이 그렇다는 얘깁니다.1)

역시나, 치아즈와 이의 격렬한 전쟁과도 같은 정사씬은 과감한 노출만이 전부는 아니었습니다. 예전에 <러쉬>(1991)라는 영화가 있었는데요,2) 영화 보다는 주제곡으로 사용된 에릭 클립튼의 Tears In Heaven이 큰 인기를 얻었더랬죠. 마약반 형사들이 범죄자들을 잡기 위해 스스로 마약 중독자가 되어간다는 얘기였는데요, 후반에 남자 형사(제이슨 패트릭)가 죽고 작전이 실패로 돌아가고 여자 형사(제니퍼 제이슨 리)가 홀로 바닷가 모래사장에서 조깅을 할 때에야 기다리던 주제곡이 나오더군요. 영화의 장면 중에 두 남녀 형사가 코카인에 취해 사경을 헤매는 장면이 나옵니다. 정사 장면도 있구요. 치아즈와 이의 정사씬을 보다가 <러쉬>에서 마약에 취한 두 남녀의 모습이 잠시 떠올랐습니다. 양조위와 탕웨이의 그 표정은 배우들의 연기, 그 이상이더군요. 두고두고 생각나게 될 명장면입니다.

이와 정사를 치르는 치아즈는 부모와 이성의 보살핌을 충분히 받지 못한 젊은 여인이기도 하지만 다른 한편으로는 치아즈가 연기하고 있는 막 부인이라는 가상 인물이기도 하지요. <색, 계>를 보는 방법3) 중에 하나는 치아즈가 막 부인을 연기하는 영화 속의 영화를 발견하는 일입니다. 어머니를 일찍 여읜 치아즈의 아버지는 혼자 영국으로 가 재혼을 해버립니다. 이때 버림받은 치아즈를 위로해주고 그녀의 눈물을 지켜봐준 존재는 룸메이트가 아닌 영화였습니다.4) 왕치아즈가 학생 극단에 참여하고 치기어린 아마추어 암살단 활동에 동참하는 이유도 자기 삶 속의 커다란 결손을 메우기 위함입니다. 치아즈는 자기가 영화 속에서 보았던 여인들을 따라 막 부인을 연기합니다. 완벽한 막 부인을 연기하기 위해서라면 처녀성을 버리는 일 조차 능히 해낼 수가 있습니다. 홍콩에서의 작전이 실패로 끝난 이후 치아즈의 3년은 아무런 배역도 맡지 못한 신인 여배우의 모습 그대로입니다. 생활의 고단함은 배우에게 독기를 품을 수 있게 해줍니다. 죽느니만 못한 삶에 대한 자기 인식은 이제 뭐든지 해낼 수 있다는 용기로 쉽게 치환되지요. 상해에서 새로운 작전의 개시. 다시 막 부인으로 캐스팅된 치아즈는 마침내 이와의 에로틱 멜러를 연기하는 데에 성공합니다.

치아즈와 이의 첫번째 정사 장면은 상당히 놀랍습니다. 그런 식으로 첫 정사가 이루어지리라 예상한 관객은 그리 많지 않았으리라 생각합니다. 그러나 이 장면을 통해 비로소 이의 캐릭터가 구체화되기 시작합니다. 아울러 멜러 장르의 컨벤션을 무너뜨리는 츠아즈와 이의 첫 정사는 다름아닌 두 개의 색(色)이 계(戒)를 두른채 맞부딪치는 첫 합입니다. <색, 계>는 계가 해체되고 각자의 색을 드러내게 되는 두 남녀의 이야기가 핵심입니다. 다스 베이더의 갑옷과 루크 스카이워커의 광선검 같았던 각자의 계를 손에서 놓치는 순간, 속살 보다 여린 치아즈와 이의 색은 치명적인 상처를 입고 맙니다.5) 하나는 마지막 남은 인간성이고 다른 하나는 자신의 생명으로서의 색이죠. 둘이 바뀌었다 한들 영화가 이야기하고 싶었던 건 똑같습니다. 두 남녀가 계를 두른채 시작해서 마침내 색을 드러내고, 그 색의 연약함으로 말미암아 상처를 받고 만다는 이야기는 인간 보편의 경험담이기도 합니다. <색, 계>가 강한 호소력을 지닌 영화가 될 수 있었던 이유는 멜러의 보편성을 효과적으로 드러내고 전달하는 연출과 배우들의 역량이 관객들의 계를 해체시키고 색을 건드릴 만큼 뛰어나기 때문입니다.

양조위는 정말 오랫동안 좋아해온 배우이지만 <색, 계>에서는 정말 다른 모습을 보여주어 놀랐습니다. 오죽하면 다스 베이더를 떠올렸겠습니까. 강아지 같았던 그 검은 눈망울이 짙은 회색 연기를 뿜어대는 광경이라니. 이가 상해의 관청 건물 내에서 어떤 삶을 살고 있는지는 그의 눈빛과 표정만으로도 충분히 짐작이 가고도 남습니다. 그런 이에게 접근해가는 치아즈는 처음부터 계를 앞세우지 않았더라면 이에게 그런 농염한 눈빛을 보낼 일이 없었겠죠. 그리고 막 부인을 연기하는 것이 아니고서야 그런 황홀한 표정이 나올 수가 없었을 겁니다. 살을 맞대면 마음이 저절로 따라가는 것만이 아니라는 건 치아즈의 막 부인 베드씬 연습 과정에서 잘 드러납니다. 이의 계를 풀고 색을 열어젖히기 위해서 치아즈는 막 부인으로이긴 하지만 자신이 가진 색을 전부 쏟아 붓습니다. “내가 비명을 지르지 않으면 그는 절정에 이르지 않아요.” 너무 많이 쏟은 색은 결국 막 부인이 아닌 왕치아즈를 움직이고, 이 영화에서도 다시 한번 모사는 새로운 실재로 전환됩니다.

완벽한 치아즈와 막 부인을 보여준 탕웨이는 신인이긴 하지만 확실히 그 이상의 역량을 가진 배우입니다. 하지만 연기력이 공인된 배우들조차 어떤 영화에서는 형편없는 모습을 보여주곤 하는 것을 보면 배우들의 빛나는 연기는 역시 연출자의 몫이 큽니다. 말 그대로 디렉팅을 하든 배우가 스스로의 잠재력을 끌어올리도록 도와만 주든, 아니면 니 맘대로 한번 해보세요 완전히 풀어놓든, 배우의 캐스팅과 카메라 앞에서의 연기를 만들어내는 건 배우 스스로와 함께 감독이 하는 일입니다. 때문에 아무리 재능이 박한 연기자라 하더라도 명장을 만나면 뛰어난 연기를 보여줄 수도 있는 것이고 아무리 뛰어난 명배우라 하더라도 배우에 대한 통제력을 갖추지 못한 감독을 만나면 형편 없는 보릿자루 연기를 하게 되는 겁니다. 감독은 배우가 캐릭터를 제대로 살릴 수 있도록 그리고 그의 연기가 최대한 빛을 발할 수 있도록 연기 지도 뿐만 아니라 조명이나 세트와 의상에 이르기까지 전방위로 영향을 미치는 조물주입니다. 양조위도 마찬가지지만 치아즈의 뛰어난 연기는 곧 이 안 감독의 연출입니다.

치아즈와 이의 색이 그 속살을 드러내는 부분은 침대 위에서만은 아니었습니다. 치아즈가 모국어로 노래를 할 때, 이의 계는 완전히 해체되고 색만 남게 됩니다. 남녀의 색을 넘어서 한 인간으로서의 색까지 점령당하고 맙니다. 시대는 두 사람을 적으로 만나게 했지만 인간의 색은 그렇게 만나는 법입니다. 그리고 이가 사랑의 증표를 치아즈에게 선물할 때, 치아즈의 계도 크게 흔들리고 맙니다. 하지만 그 순간에도 치아즈는 막 부인으로서의 연기를 포기할 수 없었죠. 막 부인이 맡은 역할은 이의 계를 해체하고 색을 완전하게 빼앗는 일이었지 자신의 색 때문에 계를 놓치는 건 아니었으니까요. 6캐럿 원석에 흔들렸던 왕치아즈를 완성된 ‘색’ 있는 다이아 반지가 다시 한번 뒤흔드는데, 이때에도 치아즈는 마음의 부담감 때문에 손에 끼었던 반지를 서둘러 빼내려 합니다. 손에 끼고 다니다가 도둑 맞을까 겁난다는 핑’계’를 대면서요. 그런 치아즈를 완전히 무너뜨린 건 이의 말 한 마디였습니다.

그리고는, 우다다다. 대반전과 긴장의 풀림. 아무 것도 안들리는 멍한 순간. 이제 내 색은 어디로 가야 하는 건가. 처연하게 돌아가는 바람개비. 의미 없이 달아나려 해보지만 이미 갇혀버린 구역. 영혼의 바리케이트. 나도 저녁 밥을 짓기 위해 발걸음을 서두를 수 있는 저 아낙네처럼 살고 싶었건만… 어느 작은 구석 하나도 서투르게 배치하는 법이 없는 대가의 솜씨 그대로입니다. 이 안 감독의 <색, 계>는 그렇게 관객들의 계를 열어젖히고 각자의 색을 드러내놓게 만들고 있습니다.

1) 그럼 다스 베이더와 루크 스카이워커가 부자 관계도 아니면서 서로 사랑하는 관계로 발전하는 새로운 버전의 <스타 워즈>는 어떠십니까? 쿠~ 쿠~ 내가 지켜줄께. 가요, 어서요. 두 연인은 새까맣게 몰려드는 적들을 향해 광선검을 휘두르다가 장렬하게 전사하며 불멸의 사랑이 되는 겁니다.

2) <슬리퍼스>(1996)에서 일약 주연을 맡기 전의 제이슨 패트릭과 제니퍼 제이슨 리가 공연했고 여성 영화제작자인 릴리 피니 자누크의 유일한 영화 연출작이기도 합니다. <드라이빙 미스 데이지>(1989)로 아카데미 작품상을 수상하면서 직접 연출까지 해볼 기회를 잡았던 모양입니다. 형사 액션물의 외양을 가진 영화를 그렇게 잔잔한 드라마로 바꿔버렸으니 쫄딱 망할 수 밖에 없죠. 하지만 저 개인적으로는 무척 소중한 기억으로 남아있는 영화입니다.

3) 양조위가 연기한 이의 관점에서 설명해보는 것도 나름의 방법이긴 합니다만, <색, 계>는 치아즈의 입장에서 따라가는 편이 훨씬 일반적이라고 생각합니다.(더 많이 나오잖아요) 치아즈의 성장 영화, 치아즈의 사랑과 야망, 그외 여러가지 해석이 가능하리라 생각합니다. 이처럼 다양한 해석의 여지를 남겨주는 영화는 볼 때에도 좋지만 보고난 후에도 즐겁습니다.

4) 우리는 왜 다른 사람들 앞에서는 마음을 단단하게 잘 묶어놓고 있다가 영화를 보면서 바보 같은 울음을 터뜨리곤 하는 걸까요. 삶 속에서 존재하는 또 하나의 계와 색입니다. 영화는 색이다!

5) 이 부분에서는 치아즈 보다 이의 상처가 더 커보입니다. 마지막 장면의 그 황량한 표정이란. 치아즈는 자신의 계를 손에서 떨어뜨릴 수 밖에 없을 만큼 이에 대한 색이 마치 댐을 무너뜨리는 거대한 물줄기처럼 쏟아져나왔던 거죠. 치아즈는 색이 상처를 받았다기 보다 색을 위해 자기 생명을 내놓는 쪽이라고 하겠습니다. 색이나 생명이나 그 근본은 같은 것이겠지만요.

6) 왜 여자에게 다이아몬드가 최고의 선물이 될 수 있는 것인지 <색, 계>를 보면서 평생 처음으로 알게 되었습니다. 심순애에 대한 김중배의 사랑도 여자의 마음을 사기 위한 돈 지랄만이 아니었을 수도 있다는 것도요. 이제 심순애에 대한 김중배의 사랑도 새롭게 조명되어야 합니다!