“성난 황소”, 외부자의 눈으로 마티의 영화를 즐기는 방법


 


 


 


 



 



처음 이 영화를 봤을 때 제이크 라모타라는 인간을 도저히 좋아할 수도 이해할 수도 없었다. 단순포악한 성질은 그렇다 치고 의처증에 아내와 동생을 두들겨패는 그 대책없는 인생, 도대체 자기 실패를 누구 탓을 하는 거야?


 


남자들의 세계는 전혀 몰랐고 여자들의 세계에도 속해있지 못했던 나는 마틴 스콜시지의 세계의 그 누구도 이해할 수가 없었고, 다만 그가 만드는 영화의 형식미에 대해, 평론가들의 권위에 기대어 감탄했을 뿐이다.

그리고 10년 뒤에 이 영화를 필름으로 다시 보고 난 후, 나는 누군가에게 “It was another movie!”라고 말하고 말았다. 그랬다. 나는 경기 중 제이크의 얼굴에서 피가 솟구치는 장면이랄지, 오프닝에서 마스카니의 오페라 “카발레리아 루스티카나”의 간주곡(인터메조)이 흘러나오는 가운데 제이크가 쉐도우 복싱을 하는 장면을 처음 본 이래로 결코 잊을 수 없었다.


 


그러나, 내가 제이크라는 한 인간, 위대할 것도 대단할 것도 없던 그 인간의 그 추락의 면면을 목격하고, 그에 감정이입하고, 그를 이해하는 되는 경험이 일어난 것은, 나 자신에게도 낯선 일이었다.

몸이 비대해진 것은 그의 정신 추락이 외적으로 발현된 것에 지나지 않는다. 그는 절정에 올라 챔피언 타이틀을 따기 전부터 이미 추락하고 있었고, 그의 파괴되어 가는 정신은 이미 오래 전부터 전조를 드러내고 있었다. 최고가 되려는 그의 목적은 챔피언 벨트가 상징하는 무엇이 아니라, 물적인 챔피언 벨트 그 자체이다.


 


그렇기에 그것의 획득은 그에게는 복싱이건 인생 그 자체건, 목표의 상실을 뜻하며, 그가 챔피언쉽 시합 전 다른 시합에서 지는 것(그의 무의식은 목표의 상실을 두려워 한다), 그리고 그 패배 때문에 마치 어린아이와 같은 자세로 순진하게 코치의 품에 머리를 박고 울 수 있는 것(영화를 통털어 그가 우는 매우 드문 장면 중 하나)은 당연한 것이다.


 


 




 


 


챔피언쉽 방어전에서 그가 딱 한 번 성공하는 것은 그 싸움의 이유를 억지로 외부에서 찾았기 때문이지만(아내가 그를 잘 생겼다고 했다!), 그런 식의 이유는 투지를 지속시킬 수 없다. 그리고 싸움을 멈춘 바로 그 지점에서 그의 인생은, 이미 전조를 드러냈던 추락이 가시화되며 가속도를 맞는다.


 


한창 추락 중인 인간은 자신의 추락을 감지할 수 없다. 어느 정도의 추락이 경과된 후라야, 자기가 원래 있던 곳과 지금 있는 곳의 처지를 그 까마득한 갭을 비교하며 그제서야 알아차린다. 하지만 그땐 이미 늦다. 몸은 비대해졌고, 아내는 떠날 준비를 한지 오래이며, 돈을 구할 수 있는 곳은 없다. 감옥벽을 쳐대며 “도대체 이 바보! 멍청이!”를 외칠 수밖에.


 


극도로 명암이 대비된 조명으로 찍힌 이 장면에서 나는 심장이 터지는 걸 느끼며 그와 함께 울먹였다. 이 바보! 멍청이! 내 삶은 이미 오래 전에 부서져 내리고 추락을 시작했음을, 꿈꾸었던 그곳으로 다시 돌아갈 수 없음을, 내가 있던 그곳, 내가 떠나온 그곳이 찬란하진 않아도 은은하게 빛을 내던 아름다운 곳이었음을, 나는 얼마 전부터 분명히 느끼고 있었다.


 


깨달음은 너무 늦어버렸고, 다른 희망을 어떻게 찾아야 할지도 모른 채, 캄캄하고 좁은 감옥 안에서 그저 벽을 치면서 자학할 수밖에 없고, 그 자학의 상처에 또 고통을 느끼는 것. 언젠간 그 감옥을 나갈 거고, 그리고 다시 삶은 계속되겠지만, 상처는 남는 법이다. 그리고 비가 올 때마다 그 상처는 쿡쿡 쑤셔댈 것이다.

이제 아내는 아이들과 함께 떠났고, 과거의 영광은 과거의 것이 되었으며, 그는 초라한 클럽의 분장실에서 거울을 보며 리허설을 하고, 스스로 격려하기 위해 I’m the boss, boss, boss를 나지막히 외친다.


 


아무렴, 그렇게라도 스스로를 떠받치지 않으면 안 된다. 그것만이 다시 계속되는 삶을 견딜 유일한 길이다. 『베니스에서 죽다』의 구스타프는 차라리 죽어버리지만, 그는 죽지도 못한다. 비통함은 계속되며, 아름다움은 비스콘티와는 전혀 다른 방식으로 표출된다.



 



 



앞서 『베니스에서 죽다』에서 ‘추락하는 남자들에 대한 이야기의 비통한 아름다움’에 대해 썼지만, 사실 그건 반쯤 진심이기도 하고 반쯤 거짓말이기도 하다. 나는 가부장 사회가 남자들에게 얹어주는 코딱지만한 권리와, 그 권리의 이면이랍시고 몇 배로 얹어주는 어깨 위의 짐을 경험한 적이 없다. 그렇기에 (그것과 긴밀히 연결될) 남자의 추락의 본질에 대해 내가 감정이입을 하는 구석은, 영화를 만든 이들이 기대하는 면과는 전혀 다른 측면에서이고, 상당부분은 논리적 이해와 상상의 기반을 통해서다.


 


그럼에도 이해가 많은 부분 가능한 것은, 이 세상에 남자들의 짐과 남자들의 추락에 대해 토로하는 영화와 책이 너무나도 많기 때문이며, 남자들은 모두 그것이 ‘인간의 짐’이고 ‘인간의 추락’이라고 말하기 때문이다. 소수자는 자신이 인간이라고 생각하는 한, 사람마다 차이는 있을지언정 자신의 언어 외에 메이저의 언어도 자연스레 습득한다.


 


개중에는, 다른 소수자보다 훨씬 더 잘 습득하는 사람도 있기 마련이다. 그들은 언제나 분열된 자아 내부에서 끝없는 투쟁과 충돌을 경험한다. 나 역시 예외가 아니다. … 언제나 마티 영감님의 영화들은 내게 외부의 존재였다. 이제는, 외부자의 눈으로 그의 영화를 즐기는 방법을 찾아냈다.


 


영진공 노바리

 


 


 


 


 


 


 


 


 


 


 


 


 


 


 


 


 


 


 


 


 


 


 


 


 


 


 


 


 


 


 

“플라이트 플랜”, 여주인공은 지형지물에 익숙해야 한다.

  



이 영화는 마치 “조디 포스터”의 오랜 팬이 ‘마침내’ 영화판에 뛰어들고 ‘뜻하지 않게’ 초짜가 큰 프로젝트를 맡으면서 주연으로 “조디 포스터”를 기용하게 된 뒤, 이게 꿈이냐 생시냐 볼을 스스로 꼬집으며 기뻐 날뛰는 마음으로 찍은 팬픽 같다.


철학도 출신으로 무려 컬럼비아 대학과 AFI 같은 영화 명문가에서 영화를 배운 사람이 그토록 인물 클로즈업으로만 일관한 이유는 아무래도 그거이지 않을까. 그 맘 이해못할 바 아니기에, 그리고 정말 아름답게 나이먹은 “조디 포스터” 모습을 실컷 보았기에 대강 수긍하고 만다.

영화의 전반부는 감쪽같이 사람 하나 바보되는 과정이고, 후반부는 악당과의 대결. 관객들에게 좀더 혼란을 주었으면 했지만, 이 영화의 감독은 “조디 포스터”라는 배우가 주는 강인한 이미지의 위험을 잘 알고 있었던 것같다. 개인적으로 『패닉 룸』에서 “조디 포스터”가 미스캐스팅이라고 생각한 건 그 배우가 주는 믿음직한 강인함의 이미지 때문에 영화 내내 긴장도가 떨어졌던 탓이다. (뭔 일이 벌어지든 어쨌건 그녀는 악당을 물리치고 딸도 구할 것이니까. 원래 캐스팅대로 “니콜 키드먼”이 연기했다면 시간이 지나면서 폐쇄공간에서 점차 히스테릭한 두려움을 드러내는 여주인공 캐릭터가 훨씬 더 잘 살았을 거라 생각한다.)


이 영화는 바로 그 점 때문에, 서투른 모험을 감행하지 않는 안전한 길을 택한다. 영화 내내 보는 사람들은 “조디 포스터”가 정신 착란을 일으켰을 가능성은 별로 마음에 두지 않은 채 도대체 범인이 누구고 무슨 짓을 했길래 저토록 완벽햐게 사람을 바보를 만들고 있나, 궁금하게 된다. 마침내 범인이 밝혀지고 난 뒤 “조디 포스터”와 악당의 대결 시간은 의외로 짧다. 악당은 맥없이 “조디 포스터”에게 당하고 만다. 
 



 


 


“나이트 플라이트”와 “플라이트 플랜”은 영화 러닝타임의 상당부분이 비행기 안에서 흘러간다는 점 외에도, 악당 캐릭터가 다소 약하다는 점에서 닮아있다. 이는 시나리오상의 문제라기보다는 현재의 여성의 지위 향상이라는 사회적 분위기를 반영한 듯싶다.


이제 우리는 여주인공에게도 – 완력은 약할지 모르나 – 지혜와 재치로 위기를 모면하고 나아가 다른 이를 구하고 사건을 해결하는 자립적 주인공을 기대한다. 이런 여주인공을 설정하려면 당연히 악당은 완력이 아니라 머리로 범행을 벌이는 사람이어야 하고, 총을 함부로 들이대서도 안 된다.


하긴, 함부로 완력을 들이대는 악당들이 넘쳐나는 시대란 아직 덜 문명화된 시대이다. 돈 때문에 범행을 계획해도 사람을 죽이는 건 별로 원하지 않은 악당의 일반화란, 사회 분위기 전체가 점차 소.위. 문명화되는 대신 아무나 범죄자가 될 수 있는 – 그래서 아무도 믿을 수 없는, 매력적이고 자상한 남자일수록 더욱 의심할 수밖에 없는 – 현상을 반영하는 건지도 모른다.


그러므로 이후 스릴러 장르 영화의 숙제란, 이러한 범인을 상대로 어떻게 다른 종류의 긴박감을 만들어내고 그걸 관객들에게 어떻게 설득시키며 새로운 장르 컨벤션을 만들어낼 것인가가 될 듯.


이에 대한 해법 중 두 영화에서 제시해주는 하나는 이것이다.


스릴러 영화의 여주인공들은 앞으로 주변의 자잘한 소품 응용 기술과 재능을 더욱 길러야 할 것! (소화기 사용 예와 “나이트 플라이트”의 집안 가재도구의 다양한 이용 등).


그 두 경우의 공통점을 도출해 보면, 본격적인 대결은 여주인공이 매우 잘 알고있는 공간 내에서 일어나야 한다.


영진공 노바리


 


 


 


 


 


 


 


 


 


 


 


 


 


 


 



 

“매치 포인트”, 우디 앨런의 직설화법





나 어릴 적에는 대중문화를 즐기는 것 그 자체가 뭔가 부의 상징처럼 보였을 정도였는데, 그건 우리집이 흔히 말하듯 밥 걱정을 겨우 면할 정도로 가난했던지라 그 흔한 라디오 한 대도 없었고, (아버지가 어딘가에서 줏어와서 고친) 작고 볼품없던 단 한 대의 TV 채널권은 언제나 할머니의 손아귀에 있었기 때문이었다.
 
그래서 음악과 영화는 나보단 좀더 살 만한 집 애들이 가진 것이었다. 당연히 더욱 고립되고 소외되고. 어머니가 교육에 한이 맺혀서 아들이 아닌 딸자식이라도 공부 잘 하는 넘은 대학 보낸다는 굳은 결심이 없었다면, 그에 걸맞게 어릴 적부터 질나쁜 버전이나마 책을 잔뜩 들여주지 않았다면 나는 지금 어디서 무얼 하고 있었을까.

난 너무나 일찌감치부터, 부자는 아니지만 라디오 한 대는 갖고 있었을 법한, 혹은 문화적인 세례를 받은 오빠나 언니를 두어 덤으로 그 세례를 받을 수 있었던 아이들마저도 나와 다른 처지의 아이들로 두고 경계했고, 그 대가를 나이를 들고나서 치르기 시작했다.

There is no luck.

도스토예프스키 지침서를 옆에 두어가며 [죄와 벌]을 읽는 크리스의 모습은 바로 내 모습이다.

영국에서야 락과 영화는 서민문화를, 클래식과 오페라와 문학이 고급문화를 상징할지 몰라도, 대한민국에선 락과 영화, 특히 예술영화가 바로 지식인 문화의 표상이 아니던가.

딱 대학을 다니기 시작하면서, 나는 마침 당시 발간됐던 ‘키노’를 옆에 두고 영화를 보았고, 이를 매개로 만난 인간들이 걸작이라 혹은 천재라 떠들어대는 락앨범과 락밴드의 이름을 몰래 잘 기억해 두었다가 테이프로 하나씩 사 모으며 음악을 들었다.

21세기에 영화가 이토록이나 히트를 치는 대중문화의 총아로 떠오를 줄은 당시엔 몰랐지만. 이런 까닭에, 게다가 이제는 여자가 아닌 남자 주인공에게 감정이입하는 방법을 알고 있기 때문에, 나는 크리스의 모든 행동이 이해가 갔고, 심지어 계급상승을 욕망하며 윤리적으로 타락해가는 그 숱한 영화와 드라마의 그 흔한 주인공들처럼 크리스가 멍청하고 얕은 놈이 결코 아닌 것에 안도했다. 심지어는 내 자신에게 스스로 놀라면서도, 그의 범죄가 결코 들키지 않기를 바랐을 정도였다.

영화의 설정과 줄거리는 우리가 너무나 식상하게 보고 보고 또 보아온 것이다. 하지만 깊이가 다르다. 사람들이 흔하게 예상하는 서투른 윤리적 훈계와 설교도 집어넣지 않는다. 너무나 냉정하고, 그러면서도 아프다. 기본적으로 영화를 아주 잘 만드는 사람의 그 능수능란하고 대단한 손길은 어떻고? 당연하다, 감독이 “우디 앨런”이니까. 그리고 결코 당연하지 않다, 이전의 “우디 앨런”이라면 엄청난 블랙유머를 가진 코미디로 풀었을 테니까.

영화를 보면서 이 할배가 미쳤나, 노망이 들었나 싶었다. 아무리 기억을 더듬어 봐도, 이 할배가 이렇게 굳은 얼굴로 작정하고서 눈앞에 시퍼런 칼을 들이미는 영화를 보고 들은 적이 없기에. 도대체 우디 할배한테 무슨 일이 일어난 거지? 게다가 이 할배는 원래 러브러브 뉴욕~파가 아니었던가. “스칼렛 요한슨”을 빼고 런던 배경에 영국배우들로 꽉꽉 들어찬, 무시무시하고 염세적이고 ‘직설법’을 구사하는 이 영화가 정말 “우디 할배”가 만든 영화라고?


“매치 포인트”의, 이른바 사람들이 ‘반전’이라 부르는 그 마무리는 더욱 충격적이었다. 그래, 나는 그걸 바랐다. 하지만 그가 그녀들에게 그런 대사를 할 줄 몰랐고, 정말 그렇게 될 줄은 몰랐다.

그래, 이게 자본주의였지. 크리스는 ‘운’이라 말하지만, 그가 그토록 입에 달던 ‘운’이라는 것이 맨 마지막 장면에서는 크리스가 아닌 가족들의 입을 통해 발화된다. 그거다. 운이라는 건 자본주의가 사람들을 포섭하기 위해 내건 은총의 선택이다. 개인의 노력? 성실? 능력? 좋아하는 걸 끝까지 즐기며 하는 것? 웃기는 소리. 자본주의의 간택, 애초의 지배자들의 간택이다.

그것을 지배자들 스스로 ‘운’이라고 부른다. 니가 운이 좋은 거야, 왜냐하면 우린 널 선택했으니까. 넌 우리 편이 되기 위해 그 무슨 짓이라도 할 테니까, 그리고 결코 네 원래 자리로 돌아가지 않을 테니까. 그 대사가 가족들의 입에서 나오는 건, 핏줄로 이어지고 나서야 비로소다. 그제서야 그는 정말로 그들 사회에 포섭된 것이다. 그가 무슨 짓을 했든 … 안 들키면 되는 거다.



수많은 출세의 욕망 드라마에서 주인공들이 하나같이 패한 것은, 그들이 자신의 출신적인 한계 – 우리가 ‘일말의 양심’이라 부르는 한 가닥의 윤리, 혹은 원래 자리로의 회귀 본능을 완전히 버리지 못했기 때문이다. 완전히 자본주의화되지 못했기 때문이다.

내가 평생 가난하게 살 수밖에 없는 이유도 마찬가지다. 가난하지만 자기 고집을 내세우면, 그리고 행복을 찾으려 들다간, 그리고선 감히 지배층과 엮이려 들었다간, 노라 꼴이 되는 것이다. 이것이 자본주의의 말씀이다.


영진공 노바리

 


 


 


 


 


 


 



 


 


 

“달콤, 살벌한 연인”, 무난하고 산뜻한 로맨틱 코미디


사람이란 게 모든 사안에다 대고 극단적인 정반대의 해석을 동시에 놓을 수 있기 마련이지만, 연애는 특히 더 하다. 우리는 연애란 게 사회적인 관계임을 잘 알면서도, 지극히 개인적인 관계라 생각한다. 사실 연애를 하면 폐쇄적이 되기 마련인지라, 자칫하단 연애 몇 달 혹은 몇 년에 연락하는 인간관계 다 끊기는 사태도 심심찮게 발생한다. (그리고는 외롭다고 청승을 떠는 것이다.) 그런데 이 폐쇄성이, 하나의 사실을 두고 끌어낼 수 있는 해석들의 반대극차를 더욱 극단적으로 크게 만든다.

『달콤, 살벌한 영화』는, 비록 전지적 시점에서 대우(“박용우”)가 모르는 미나(“최강희”)의 생활과 비밀들이 비교적 초반에 관객에게 노출되어 버리긴 하지만, 그럼에도 철저히 대우의 시점이다. 연애와 관계의 재구성은 사실 각자 주관적인 입장일 수밖에 없다. 그녀에겐 그녀의 피치못할 사정이 있지만 – 그게 아무리 연달은 살인이라 해도 – 그가 그것을 다 알 수도, 이해할 수도 없는 노릇이며, 그에게 결국 그녀는 도저히 상식적으로 이해하지 못할 세계에 살고 있는 이해 못할 사람이다.

이성과 합리의 법칙 안에서 움직이는 대우의 세계는 그녀의 미신과 무식, 비논리를 이해하지 못하고 이해할 생각도 없다. ‘살인’이란 그 모든 걸 상징해주는 것일 뿐. 미나가 떠나기 전, 그녀의 호텔에서 마지막으로 그녀를 만나고 엘리베이터에 탄 대우가 “한두 명이라면 어떻게 이해해 보겠는데~~~” 하며 머리를 박는 건, 그 무시무시한 코믹성에도 불구하고, 그렇듯 지극히 주관적이고 자신의 입장에서 이해되지 않는 상대를 향한 서글픈 아쉬움을 칼날처럼 표현한 대사이리라. 그가 헤어진 연인의 흔적을 뉴스에서 찾는 것도, 그의 머릿속에 그녀는 그녀의 사정과 이유와 사연은 이해되지 않는 채 그저 살인자로서 정립되어 있는 탓이다.

하긴, 모든 연애가 그렇지. 안전한 길을 선택해 서로 비슷하고 공감대도 같고 심지어 서로 비슷한 생활권에 존재하던 사람과 연애를 하더라도, 우리는 그의 우주와 나의 우주는 일견의 비슷한 모습 뒤로 확연히 다른, 별개의 우주임을 매 순간 확인하게 된다. 가 닿을 수 없는 그 거리는 때로 우릴 절망시키지만, 사실 우리가 원하던 바로 그것이기도 하다. 누구도 자신의 세계가 다른 이와 완전히 통합되기를 원하지 않는다. 설사 나의 의식은 그걸 원하더라도, 나의 무의식은 그걸 완강히 밀어내고, 만약 내가 일방적으로 흡수당한다 느껴지는 상황에서라면, 더욱 손톱을 세우고 저항하기 마련이다.

딱히 맘에 드는 포스터는 아니다.
이것은 뭐, 사실 당연한 자기방어 본능이기도 하고. 아무리 두 사람이 -10cm의 거리(음… 너무 작은가… 그래도 평균이…)를 만들고 그걸 유지한다 해도. (그 가닿을 수 없는 거리 때문에 사다는 칼질도 하기도 하지.) 게다가, 그것이 첫 연애라면, 필연적인 “미숙함” 때문에 더할 것이다.

연애에 대해 꽤나 살뜰하고 섬세한 우화. ‘우화’라 표현하는 것은 아무래도 미나의 특수한 상황 때문이지만, 사실 미나와 대우의 관계는 수많은 연애 관계에서 반복되는 타입(인간은 다 다르면서도 똑같은 거니까.)의 변형에 지나지 않는다. 정말 많이 웃으면서도 순간의 상황과 대사의 빛나는 통찰력에 감탄하기도 하고, 나의 경험도 비추어 보게 되고. 연애는, 해도해도 미숙하다. 사람을 사귀고 사랑하는 것 역시 그렇다. 상대의 나이가 성별이 어떻든, 그 관계가 연인이든 친구이든 무조건 신뢰하게 되어 의지하는 좋은 사람이든.

영화는, 마치 ‘드라마’처럼 참 무난하게 찍혀서 별 특징없이 아쉽기도 하고, 그렇다. 하지만 감독이 만약 소위 되도않을 ‘예술적 야망’에 대한 욕심을 부렸다면, 이 우화는 완전히 실패해버렸을지도. 나름 안전한 선택인 셈이다. 배우들은 아주 좋고, “박용우”는, 당시 아마도 로맨틱 코미디는 처음인 듯한데 아주 잘 어울린다. 어느 정도의 나이와 관록이 보이면서도 여전히 순진함을 유지하고 있는 마스크와 연기. 최강희도, 이전에 보이지 않던 잔주름이 보이긴 하지만, 정말 괜찮은 로맨틱 코미디 배우다. 조연들도 좋았다.

로맨틱 코미디에 어울리는 배우란 게 배우한텐 욕 아니냐고? 천만에. 대한민국에서 제일 힘든 장르가 로맨틱 코미디라고 생각한다. 남녀간의 밀고당기기야말로 정치9단의 스릴러의 최고봉이고, 그러면서도 ‘평범한’ 사람들에게 가장 잘 어필할 수 있고, 관객의 감정이입도와 이해도도 가장 높은 게 로맨틱 코미디이며, 그러면서도 한 시대의 세태를 의미있게 묘사해낸다. (『해리가 샐리를 만났을 때』는 과장 좀 보태서 “스탠리 큐브릭”의 영화들 못지 않는 걸작이다.)

여전히 대한민국에선 그런 의미있는 로맨틱 코미디가 거의 나오질 않는다. 모두들 로맨스와 코미디를 섞으면 로맨틱 코미디라고 오해해왔으며 가능성을 보여준 감독들은 조금 하다 좌초했다. 『달콤, 살벌한 연인』에서도 역시 내가 본 건 ‘가능성 영역’에 불과했지만, 그럼에도 여타의 그것들보다 훨씬 낫고, 산뜻했다.

영진공 노바리

“스테이션 에이전트”, 친구가 있다는 건 참으로 행복한 일이다.




주인공 핀 역을 맡은 “피터 딩클리지”, 굉장히 낯익은 배우라 생각했는데 막상 imdb.com 필모그래피에 낯선 영화들만 있습니다. 결국 저 역시 이 사람을 그냥 ‘난장이 배우’로 봤던 것일까요. 신체상의 특성이 필요한 역에 언제나 조연으로 출연하다가 드디어 주연을 맡는구나! 라면서 축하하는 마음이었는데, 역시 편견이란 놈의 위력은 셉니다. 저 역시 어쩔 수 없는, 비장애인 중심 사회에서 나름의 기득권을 가진 사람인 것이죠.

졸지에 뉴저지의 낡은 역사에 가게 된 핀. 정신없고 산만한 사고뭉치 아줌마 올리비아와 연일 시끄럽게 말 거는 조와 엮이게 됩니다. 핀은 난장이이고, 올리비아는 좀 정신 나간 아줌마고, 조는 이민 2세에 핫도그 파는 청년이죠. ‘성별과 연령과 장애와 상처를 넘어선 우정’이라고 혹자들은 나이브하게 말하겠지만, 그들이 친구가 되는 건, 아니 딱 그들로만 친구가 될 수밖에 없는 건 그들이 난쟁이이고 아들을 잃은 후 정신이 나가버린 아줌마이며 배운 것 없고 할 줄 아는 거 별로 없는 이민 2세대이기 때문입니다.

즉, 다들 약점이 있고 주류 사회에 결코 낄 수 없는 ‘헛점투성이’ 인간이기 때문이죠. 다른 사람들과, 소위 자신을 정상이라 생각하는 사람들과는 친구가 될 수 없습니다.

뭐, 이런 설정과 줄거리, 그리하여 이들이 마침내 마음을 열고 서로의 상처를 보듬으며 아름다운 우정을 갖게 된다는 영화는 세상에 넘쳐나고 흔합니다. 하지만 역시나 이 영화가 제 기대 이상이었고 어필을 했던 건 배우들의 호연 탓이겠죠. 감독이 차분히 연출을 쌓아가는 솜씨도 꽤 안정적이고요.

핀과 올리비아가 서로 상처를 뱉어내며 결국 오열하는 장면에서 같이 울고 말았습니다. 역시나, 그들은 자신의 상처를 드러내는 데에 익숙한 사람들이 아닙니다. 하지만 그저 어떨 땐, 어떻게 할 바를 몰라서 결국 자신을 걱정해주는 이를 할퀴어대고, 결국 그 앞에 허물어져 눈물을 쏟을 수밖에 없는 거죠.

소소한 하나 하나에 상처받기 쉬운 사람들은 오히려 강력한 방어기제를 갖고 더욱 무뚝뚝하게 굽니다. 핀의 도피처는 기차였고, 올리비아의 도피처는 그림이었지요. 남의 친절은 부담스럽고 거추장스럽고 귀찮기만 합니다. 때론 나의 친절은, 다른 이에게 별로 주목받고 싶지 않다는 일종의 가면의 제스처이기도 해요. 남 앞에서 적당히 빵긋빵긋 웃으면, 상대는 더이상 나를 귀찮게 하지 않습니다. 헌데 우리의 주인공들은 그 기술마저도 별로 신통치 않습니다.

누구에게나 상처는 있고 때로 그 상처를 한 잔의 술이나 한 개피의 담배로 겨우 폭발 직전 상태로 진정시키며 삶을 영위해 나갑니다. 하지만 그것으로는 그 상처들이 ‘낫지는’ 않아요. 다만 우리는, 누구나 그런 상처를 하나쯤은 가슴 깊이 숨겨둔 채, 그저 혼자 있을 때 혼자서만 분출하다가, 다른 이에겐 아무 일도 없었다는 듯 생긋 웃을 뿐입니다.

어른이 된다는 건 사실, 상처에 익숙해지는 게 아니라 상처를 가리는 기술이 늘고 방어기제의 기술이 세련되지는 것에 불과한 건지도 모릅니다. 세상에 저 혼자 아프고 저 혼자만 힘들다고 생각하는 철딱써니들이 넘쳐나는 것도 같은 이유인지도 몰라요. 남들의 웃음 속에서 아픔을, 상처를, 절대로 보지 못하는 사람들 말입니다. 저 웃는 얼굴 뒤에 나보다 더 큰 상처를 꾹꾹 억누르고 있으려니, 라는 상상은 절대로 해보지 못하는 사람들.

약해빠지고 아무 대책 없고, 이를 악물고 그저 ‘오늘 하루’ 잘 버티는 게 오늘의 희망사항인 사람이 단지 남에게 폐끼치고 싶진 않다는 이유에서 상처를 숨기면, 상처가 없는 줄 알고 상처를 하나둘, 셋, 계속 안겨대는 사람들이 있습니다. 심지어 이 뻔뻔한 인간들은, ‘당신은 강하니까 잘 버텨낼 거예요’ 같은 말을 덧붙이기를 주저하지 않습니다. 위로를 한답시고, 실은 내가 주는 상처 버텨내라고 강요의 주문을 하고 있는 셈이죠. 상대가 얼마나 아플지는 피상적으로밖에 생각하지 못합니다. 자기가 그만큼 아파봐야 알까요? 아니요, 자기가 그만큼 아프면, 이 바보들은 세상에서 자기가 제일 아픈 줄 알고 날뜁니다.

어찌됐건 이들은 그럭저럭 서로의 상처를 어루만지고, 친구가 됩니다. 석양을 바라보며 맥주를 나눠마시는 모습은 진부한 클리셰이기도 하지만, 그래도 여전히 아름답습니다. 핀과 올리비아와 조에게 각자 서로 친구가 생긴 건 정말 다행한 일입니다.


영진공 노바리