영화의 세계 …… 그리고 내러티브



음악과 영화의 차이는 뭘까?
난 무엇보다 내러티브가 있고 없음이 가장 큰 차이라고 생각한다.
내가 음악을 좋아하고 계속 그 세계를 벗어나지 않는 이유는 음악에는 내러티브가 없기 때문이다.


음악에도 코드 진행이 있고 리듬 패턴이 있으며 역시나 기승전결의 구조가 있다. 그러나 그것은 청각의 세계다. 느낌의 무엇인 것이다. 그 세계의 구조와 미세한 변화는 숙련된 귀를 가져야 제대로 알 수 있다. 그렇다고 내가 숙련된 귀를 가졌다는 얘기는 아니다. 오히려 나는 음악을 막 들을 수 있는 귀를 가졌기에 음악이 좋고 들으면 행복해진다.







영화를 참 좋아한다. 음악 못지 않게 좋아했다. 한 때는 영상 만드는 데 관심도 많았고, 기웃거리기도 했다. 그러나 가장 큰 좌절점은 글 만큼이나 영상 역시 내러티브가 있고, 그것이 너무나 선명해서 음악처럼 끝없는 상상을 자극하지 못한다는 데 있었다. 그것이 영화의 매력이기도 하지만 ……


그리고 영화는 음악도 글도 미술도 애니매이션도 다 먹어삼키는 괴물이었다. 음악이 절대 가질 수 없는 크기의 깊고 넓은 구덩이이기도 하고. 너무 자유로워서 (더더욱 감당할 수 없을만큼) 옭아오는 세계였다.

맘의 여유가 없다는 핑계로 영화를 참 안봤다. 영화를 좋아하는 사람들을 만나고 그들의 얘기를 주워 듣는 사람으로 참 창피한 얘기다. 그러나 음악처럼 내 머리 속을 마구마구 자극하는 무엇을 어느 순간부터 찾기 힘들어 영화 앞에서 주저했다.

기타 소리 하나에서 기타줄-픽업-바디-암-스프링-앰프-리턴-이펙터의 매커니즘을 상상할 수도, 담배 연기와 독한 술을 생각할 수도, 무대에 섰을 때 관객의 호응을 떠올리기도, 음악의 인상이 주는 인생의 좌절과 환희를 맛볼 수도, 혹은 지구 밖의 괴상한 꿈나라 속을 걸을 수도 있는, …… 그런 별의 별 생각을 다 떠올릴 수 있는 음악.


 





 


음악을 들으며 나는 답답하고 뾰족한 수 없는 그저 그런 인생 속에서 도저히 그려볼 수 없는 우주를 꿈꿀 수 있었다. 음악은 그랬다.


그러던 어느 연휴, TV 채널 여기저기서 나오는 영화들. 참 오랫만에 영화를 첨부터 끝까지 봤다. 꾸준히 보는 DVD영화 몇 편이 있지만, 그와 다른 느낌으로, 다른 자세로, 정말 영화에 빠져서, 조명이 어떻고, 화면 구성이 어떻고 표정이 어떻고 그런 거 다 잊고, 그냥 영화의 얘기에 빠졌다. (사실 짜증나서 채널을 돌려버린 영화도 몇 편 있다.)

잊고 있었던, 아니 피하고 싶던 내러티브의 세계에서 놀았다. 예전에 갖지 못했던 기분이 온 몸을 적셔왔다. 영화 속 음악이 때론 거슬리기도, 과도하기도, 답답하기도 했지만 꿋꿋이 영화의 얘기에만 빠졌다. 이상하게 보는 영화의 수가 늘어날수록, 그리고 한 편, 한 편 끝날 때마다 더더욱 기분이 좋아졌다.


 



 


아주 오래 전, 하루에 영화 한 편 이상 보지 못하던 옛 기억도 났다. 한 편을 흡수하고 나면, 영화는 커녕 음악도 듣지 못하고 술만 겨우 마실 수 있던 정말 오래 전의 나의 모습 말이다.


물론 기억만 났다. 그 다음 날 저녁에는 방에 들어오자마자 피아노 트리오 음악이, 더블 베이스의 도약하는 연주가 땡겼던 것을 보면 과거의 내가 또 다시 반복되는 것은 분명히 아닌 것 같다. 과거와 달리 내러티브가 전하는 떨림에 짓눌리지 않고 (그저)즐기는 내 모습이 싫지 않다.



만화책을 본다. 영화를 본다. …… 내러티브의 세계.


왠지 그 세계가 다시 맛있어 질 것 같다.


영진공 헤비죠


 


 


 


 


 


 


 


 


 


 


 


 


 


 


 

“다운 인 어 홀”, The road of down in a hole (EP)




[ 2006, 한국, WASP/DNC ]

“제노사이드”, “싸일런트 아이”, 등을 거친 보컬리스트 “서준희”가 2003년 결성한 밴드 “다운 인 어 홀 (Down In A Hole)”은 밴드 이름(Alice In Chains의 곡명)에서 느낄 수 있는 것처럼 그가 꾸준히 해왔던 블랙-데쓰 계열의 음악과는 조금 다른 모양새를 가지고 있다. DIAH의 데뷔 음반은 잘 짜여진 악곡에도 불구하고 급하게 녹음한 티가 나는, 잘 만들고도 아쉬운 음반이었다. 이후 “수요예술무대”와 같은 오버그라운드 무대까지 넘보던 밴드는 어느날 자취를 감추었고 잊혀진 이름이 되어버렸다.

이후 DIAH의 주인격인 서준희는 홍대 앞 클럽 “WASP”의 주인장으로 변신, 홍대 앞에서 점점 지분을 잃어가는 메탈 계열 밴드들의 아지트를 제공하기도 했다. DIAH은 이제 사라졌다고 생각할 무렵인 2006년 벽두에 튀어나온 이 음반은 “참 잘했어요” 도장을 꽉 찍어주고 싶은 음반이다.

기타리스트 “이동규”와 보컬이자 주인장 서준희를 제외한 모든 멤버가 교체된 상황에서 발표된 새 EP는 과거와 거의 단절에 가까운 파격적인 변신을 들려준다. 데뷔 음반에서 “CInderella”의 곡을 커버한 것이 우연한 선택이 아니었음을 느낄 수 있는 미국적인 멜로디와 서준희 특유의 개성넘치는 보컬이 적절히 결합되어있다.

이 음반은 1년여 동안 띠엄띠엄 녹음한 5곡(1집에 수록되었던 「Elegy」의 재녹음을 포함)의 모음집 성격이기 때문에 완전한 일관성을 기대하긴 어렵다. 대신 전반적으로 밴드가 추구하는 바가 깊이있는 멜로디와 세련된 악곡을 추구한다는 사실 하나만큼은 분명히 짚어진다.


끈끈하게 늘어지는 보컬에서 그로울, 샤우트, 팔세토까지 다양하게 해내는 서준희의 보컬은 정말 개성있다. 그리고 이런 팔색조 보컬들은 대부분 비슷하게 화려한 기타연주와 잘 어울리는데, 특이하게도 서준희는 묵직한 기타들과 더 성공적인 조화를 이뤄내는 것 같다. 그렇게 보면 이대의 DIAH은 싸일런트 아이 1집 이후, 가장 그의 목소리에 잘 어울리는 밴드인 셈이다.

DIAH의 새 EP는 흔히 Alternative Metal이라고 분류되는 음악과 기본적으로 비슷한 성격이다. 그러나 그 동네 음악 특유의 뭔가 메탈도 아니고 그런지도 아닌 허전함 따위는 기대하지 마시라. 밴드의 핵심이 되는 두 멤버의 연륜이 반영된 듯, 리프와 톤에 있어서 톱니바퀴처럼 꽉 짜여진 음악이니까.

개인적으로 아쉬운 점이라면 좋은 연주임에도 좀 더 맺고 끊음이 확실했으면 싶은 드럼 플레이인데, 이 부분은 연주력의 문제라기 보다 취향(내가 워낙 딱딱 끊어지는 분절음을 선호한다)이기 때문에 이를 음반에 있어 문제로 제기하기는 힘들어 보인다. 그리고 심벌웍은 아주 빼어나다.

앨리스 인 체인스를 좋아했던 팬이라면 충분히 즐길 수 있는 음반이고, 앨리스 인 체인스를 모르더라도 굴곡이 심한 리프와 시시각각 변화하는 보컬을 좋아한다면 강하게 추천하고픈 음반이다.


영진공 헤비죠

“Two Sides of If”, 비비안 캠벨의 처음이자 유일한 솔로 앨범


[2005, 영국, Sanctuary]

“Def Leppard” 활동과 동시에 너무 밋밋해졌다고 욕(?)을 먹는,
30년 전 과거사인 “Dio”의 기타리스트로 사람들에게 회자되는 기타쟁이,
 “비비안 캠벨(Vivian Patrick Campbell)”의 첫 번째이자 유일한 솔로 음반.

사실 나는 이 음반을 처음 접했을 때, 막연히 연주 음반일 것이라 생각했다. 은근히 과거의 활화산 같던 연주를 기대하면서 ……

그러나 막상 뚜껑을 열어보니 본작, 『Two Sides Of If』는 블루스-록 음반이었다. 사실 비비언의 블루지한 연주는 이번이 처음은 아니다. “Jeff Beck”의 연주곡(「Led Boots」)도 꽤 담담하게 커버한 적이 있었던 비비언이고 보면, 블루스 외도는 그다지 놀라운 일이 아닐 수도 있다.

그러나 처음엔 왠지 섭했다. 나 역시도 여전히 청자들의 가슴을 끓어오르게 만들던 Dio시절의 비비언에 대한 기억이 커다란 위치를 가지고 있었나보다. 블루스-록이라고 하지만 내용물은 어쿠스틱과 세미 솔리드 바디에서 나오는 여유로운 울림으로 상징되는 고색창연한 블루스에 가까운 연주가 중심이고, 가끔 곁들이로 매끄러운 솔로가 살짝 얹혀진 모습이다. 맨 처음 이 음반을 듣고 혼자 이렇게 중얼거리고 있었다. “이봐, 비비언 왜 그러는거야?”

그런데, 밤샘 작업과 과도한 알콜, 컴까지 고장나서 혼이 쏙 빠진듯했던 한 주를 보내고 무거운 눈꺼풀이 점점 내려오려는 시간에 우연히 집어든 이 음반은 좀 다르게 들린다. 클래식 록 좀 들었다 싶은 양반들도 다 아실 블루스의 명곡들로 그득한 본작에서 갑자기 추억과 평화로움이 느껴진 것이다. 아마 비슷한 시도(헤비메탈 기타리스트의 블루스 원정기)를 했던 “Gary Moore”에게 이 곡들을 연주하라고 한다면 훨씬 헤비하고, 강렬하지만 과도한 감정 이입이 부담스런 연주로 채워버렸을 듯 싶다.

그러나 비비언은 이 음반에서 좀체로 흥분하지 않는다. 짜릿한 맛이 생명인 「The Hunter」조차도 기타 솔로와 블루스 하프(하모니카)를 함께 내세우는 양보의 미덕을 보인다. 전혀 날카로운 솔로가 없는 것은 아니지만, 다시 들어보니 편안하게 어린 시절 자신의 우상들 – “Eric Clapton”, “Paul Kossoff”, “Peter Green”, “Jeff Beck”, “Keith Richard”, “Rory Gallagher”, 등 – 을 추억하며 연주한 듯한 인상이다.

즉, 수록곡 대부분이 미국 흑인들의 (소위 ‘원단’) 블루스들이긴 하지만, 비비언은 미국 블루스가 아니라 영국 블루스-록 1세대가 그 곡들을 카피하던 1960년대 중, 후반을 떠올리며 연주하고 있는 것이다. 자신의 연주와 잘 맞지 않음에도 흑인 명인들을 게스트로 모셔왔던 게리 무어보다 차라리 솔직하게 자신을 까발리고 허심탄회하게 풀어낸 듯한 느낌이다.
 
뭐 이 앨범에도 “Z.Z.Top”의 “Billy Gibbons”를 모셔다가 구색맞추기를 하고 있긴 하지만 아무래도 기븐스는 정통파 블루스라기 보다 아메리칸 록커에 가깝기 때문에 연주의 분위기도 서로 아주 잘 맞는 듯 들린다. “Terri Bozzio”의 드럼도 매우 심플하고 따사롭다. 카멜레온 같은 그의 드러밍이야 워낙에 유명하지만, 이번엔 정말 힘을 빼고 함께 즐기는 느낌이 강하다. 다른 연주자들 역시 그렇고. 단 3일 만에 녹음을 해치운 것이 아주 당연하게 들리는 음악이다. 

굳이 토를 단다면, 음반 후반부로 갈수록 데프 레파드 기타리스트 비비언이 자꾸 보인다는 것인데, 녹음 순서를 알 수 없으니 맘대로 상상해 볼 뿐이다. 아마도 데프의 멜로딕 정교 기타 기운이 녹음 처음엔 자기도 모르게 나오다가 둘 째, 셋 째날에는 옛 기억이 더 새록새록 나서 편하게 쳤을 것이라고 ……

ps. 1
외국 평론가들의 평가나 나의 느낌도 명반 반열에 오를 정도의 음반이 아니라는 것은 분명하다. 그러나 비비언 캠벨을 좋아하는 사람이라면, 그의 손 가는대로, 맘 가는대로 한 번 따라가며 찬찬히 편하게 감상해 볼 필요가 있을 듯 싶다. 특히 아직도 헤비메탈 기타리스트 넘버 원으로 그를 기억하는 분들이라면 ……

ps. 2
생각보다 비비언 캠벨의 목소리가 텁텁하면서 매력있다. 록 보컬과 달리 블루스 보컬은 좀 더 감정을 잘 살리는 거친 맛이 필요하니까. 그러고 보면 슈퍼 밴드의 기타리스트들은 노래도 다들 기본적으로 받쳐주는 거 같다. 워낙 노래 잘하는 보컬과 오랫동안 함께해서 그런가???

영진공 헤비죠

“Alone Again”, 임달균 퀸텟이 펼쳐내는 최선의 비밥





[ 2005, 한국, Take one/유니버설 ]

한국 대중음악계 거의가 그러하듯, 재즈계 역시 그 쬐끄만 영역 안에서도 편식이 심각하다. 퓨전에 대한 어마어마한 집착에 비해 모던 재즈, 그 중에서도 비밥 성향의 음악인을 찾기란 참으로 힘들다. 여기서 잠깐, 비밥이 194,50년대 재즈 아닌가라고 이야기한다면 트로트는 일제 강점기의 음악 아니었냐고 반문하고 싶어지니 이 얘긴 담 기회로 미룬다.

오늘 내가 꺼내 듣고 있는 색소폰 주자 임달균의 첫 번째 독집 음반은 한국 재즈계에서 참으로 만나기 힘든 비밥 성향의 음반이다. 나의 비밥에 대한 개념은 Charlie Parker나 초기 John Coltrane이 아니라 Sonny Rollins를 통해 틀 지워졌다는 걸 생각한다면, 이 음반은 한참이나 비밥의 박력(?!)에서 멀리 떨어져있다. 그럼에도 정석적인 스윙 위에서 잘게 나눠진 코드를 피아노(임미정), 색소폰(임달균), 트럼펫(Darren Barrett)이 교차하고 협주하는 모습은 기본적으로 비밥의 그것이다.

어쩌면 비밥은 그 구성원리 – 쿨/모달 재즈의 창조적인 음의 나열에 비해 코드의 나열이라는 단순한(?크억!) 전통방식으로 조제되야 맛이 난다는 점 – 부터 현대의 젊은 연주인들과 멀어질 수 밖에 없는 것인지도 모르겠다. 그러나 이 음반은 모달에 비해 훨씬 심플해 보이는 비밥이 연주인과 달리 청취자 사이에선 꾸준히 사랑받는 아이템인 것인지 단적으로 보여주고 있다. (아닌가? 아님 말구. 어쨌건 난 비밥이 좋더란 말이지!!!) 아예 이 음반은 전반적으로 코드와 코드 사이에 과다한 테크닉을 줄이고 순수한 음을 나열하여 비밥의 심플한 맛을 강조한다.

임달균은 호쾌한 블로잉 보다는 섬세하고 멜로디에 집착하는 모습을 드러낸다. 그러나 그것이 오히려 이정식(비밥 스타일의 음반을 몇 장 발표했고 상당한 수준이었다)의 너무나 강렬해서 때로 다른 파트를 주눅들게 하는 연주에 비해 훨씬 부드러운 이미지를 갖는다.

독집 음반(2003)에서 피아노 트리오를 중심으로 부드러운 쿨 재즈를 선보였던 임미정의 피아노는 그래서 임달균의 연주 성향과 상당히 조화롭다. Darren Barrett의 트럼펫은 리더인 임달균을 체이싱(Chasing)하는 수준을 넘어 때로 긴 솔로의 중심을 잡아주는데, 요런 대목에서 이름값 톡톡히 한다고 말할 수 있다.(혹, 이름값 때문에 그렇게 들리는 건가…. –;)

전반적으로 최고의 음반이라기 보다 최선의 음반이다. 이 말은 이 음반의 질이 낮다는 것이 아니라 한국의 재즈 상황에서 음반으로 만날 수 있는 최선의 비밥이란 얘기다. 몇 해 전 여름이었던 것 같은데, 그는 무대에서 Sonny Rollins의 곡을 연주했었다. 사실 (재즈에 젬병인)나는 임달균이 누구의 곡이라고 말하지 않았다면 전혀 상상하지 못했을 정도의 매끄러운 스타일로 그 곡을 소화했던 것이다.

그리고 난 노란색 커버가 있는 음반은 이상하게 좋게 들린다. Coleman Hawkins에서 Stryper를 지나 P-Type에 이르기까지 …… ^^;;;


영진공 헤비죠


 

“Blizzard Of Ozz”, 다시는 만들어 낼 수 없는 감동의 연속


꽤 심한 피로를 느낄 때마다 내 손은 자연히 헤비메탈 음반으로 간다. 그것도 정통파라고 불리는 쪽으로. 술이 깨지 않을 때와는 다른 양상이다.

오늘도 이상하게 이 음반으로 손이 간다. “Mr. Crowley”는 언제 들어도 소름이 확 돋고, “Suicide Solution”은 심박수를 두배로 끌어 올려버린다. “Good Bye to Romance”와 이어지는 청아한 “Dee”까지 오지와 랜디(Randy Rhoads)의 감수성은 극에 달한다. “I Don`t Know”와 “Crazy Train”의 발랄(?)하고 힘찬 리프는 기타 좀 쳐봤다는 30대 이상의 엉아들이라면 한 번 쯤 연습해봤음직한 아이템이다.

이 음반에 실린 9곡은 오지 자신도 다시는 만들어 낼 수 없는 감동의 연속이다. Black Sabbath에서 탈퇴한 후, 자신이 꿈꾸던 어두움과 밝음이 공존하는 음악 세계를 처음으로 그리고 가장 극명하게 보여준다. 이 음반은 1970년대와 1980년대 헤비메탈의 분기점에서 양자 모두의 기운을 내뿜는 독특한 음악을 가지고 있는 것도 주목해야 한다.

“Crazy Train”과 “No Bone Movie”를 비교해보라. 1980년대와 1970년대의 록 음악이 어떻게 변하는지 보여주고 있지 않은가. 이 가운데 “Mr. Crowley”는 이전 무거움에 있어서는 1970년대의 정신을, 사운드의 신선함과 기타 연주의 유러피안 클래식적인 접근은 1980년대의 진수이다. 그래서 오지의 이 음반은 두고 두고 명반 중의 명반으로 칭해지는 모양이다.

오지, 지금 돌아보면 코메디언이 된, 공연 산업의 마이더스의 손이 된, Kiss와 함께 막 살아도 잘 사는 록 스타의 전형이다. 근데, 이 음반 만들 때도 그가 그랬을까? 이 음반이 성공하지 못했다면 그는 여전히 언더그라운드의 마왕으로 남을 수 있었을까? 그냥 늘 궁금하다.

다시 들어도 Bob Daisley의 베이스 연주는 힘이 있으면서도 섬세하게 필인을 잘 넣는다. 이상하게 이 음반 = 랜디+오지(가끔 Don Airey)의 공식으로 얘기하는데, 가만히 들어보면 베이스와 드럼의 리듬 섹션도 거의 완벽에 가깝다. Lee Kerslake는 이 후 1990년대 초반까지 계속 Uriah Heep에서 연주하다가 지금은 뭐하는 지 모르겠다.

리의 연주는 상당히 부드러운 편인데, 그의 후임자인 Tommy Aldridge가 음반에서 라이브로 연주한 이 음반의 곡들과 비교해보면 분명한 차이를 느낄 수 있다. 근데… 랜디의 부드러운 기타 연주는 타미의 힘으로 꽉 찬 연주가 뒷 받침될 때 더 힘을 받는 듯한 인상이다. 아름답고 부드러운 기타리스트 중에서 강한 리듬 섹션이 있을 때 이를 감싸 안을 수 있는, 오히려 덕분에 자신이 더 빛나 보이는 유연한 연주자는 흔치 않다. 그래서 랜디의 죽음은 생각할 수록 더욱 아쉽다 T.T

영진공 헤비죠