레이첼 맥아담스 – 영화진흥공화국

“어바웃 타임”, 내가 당신을 얼마나 오래 사랑할까요?

<어바웃 타임 (About Time)>, 개인적으로 아이가 생긴 이후 아내와 처음으로 함께 본 영화여서 데이트 하던 시절로 돌아간 느낌을 가질 수 있어서 좋았습니다. 로맨틱 코미디라고 하지만 <어바웃 타임>은 단순히 알콩달콩한 사랑 얘기는 아닙니다. 그리고 타임 슬립물도 사실 별로 좋아하지 않습니다만 <어바웃 타임>을 보면서 저런 과거라면 한 번 돌아가고 싶었습니다. 분명, 나도 우리 아버지가 그려주던 그림을 보며 즐거워하던 시절이 있었는데, 돌아가실 때는 뭔가 틀어진 채였거든요. 간을 드리긴 했지만, 그것과 감정의 골은 좀 달랐거든요.

그런 의미에서 영화 내내 흐르던 음악들은 말 그대로 환상궁합이었습니다. 하긴 리차드 커티스 감독의 전작들, <노팅힐> <러브 액츄얼리>를 떠올려봐도 영상의 내용과 찰떡 궁합의 노래들이 적절한 타이밍에 흘러나왔었음을 기억합니다. 특히 주제가의 파워는 엄청났죠. 엘비스 코스텔로의 ‘She’가 <노팅힐>에서 얼마나 아름답게 들렸는지, “All you need is Love”가 <러브 액추얼리>의 그 많은 사연들을 어떻게 한 방에 정리했지는지 다들 잊지 않으셨을 겁니다.

“그래 … 이걸로 됐어 …”

이번에도 마찬가집니다. 그런데, 이번에는 공식적인 주제가 이외에도 잊을 수 없는 노래가 너무 많습니다. Ben Folds, Paul Buchanan(The Blue Nile이라는 쫙 깔리는 분위기 만점 밴드의 보컬이시죠), The Cure, Amy Winehouse, 심지어 섹시하기 이를 데 없는 러시안 미녀 댄싱 듀오 t.A.T.u., 그리고 Nick Cave & the Bad Seeds까지. 특히 닉 케이브의 목소리로 ‘Into My Arms’가 아버지 역할의 빌 나이와 함께 흘러나올 때는 나도 모르게 따라부르고 있었죠.

대체로 잘 만들어진, 혹은 히트한 로맨틱 코미디 영화는 <해리가 샐리를 만났을 때> 에는 Harry Connick Jr.의 나는 토마토, 너는 포테오토를 외친다는 ‘Let’s Call the Whole Thin Off’가 떠오르고, <씨애틀의 잠 못이루는 밤>에는 Celine Dion과 Clive Griffine의 ‘When I Fall in Love’처럼 영화를 떠올림과 동시에 떠오르는 주제가가 있습니다. 이것도 하나의 공식이 된 모양이에요. 그것도 창작곡보다는 기존의 곡, 그래서 영화의 내용과 노래를 단박에 연결시켜주면서 시너지를 뿜어내곤 하죠. <어바웃 타임>도 공식에서 많이 벗어나진 않습니다. 심지어 수많은 명곡의 고향으로 기청감, 가사의 내용과 영화의 장면을 엮어내는 것도 크게 변하지 않았습니다. 저에겐 ‘Into My Arms’였지만, 영화에서 주제가로 내세운 곡은 따로 있습니다. 그리고 많은 분들이 이 노래를 기억하시고 있을 겁니다. 바로 두 가지 버전이 등장하는 ‘How Long Will I Love You’입니다. 내가 당신을 사랑할 시간이 얼마나 있을까요 라고 묻는 이 노래는 영화의 내용과도 너무나 잘 맞아떨어지죠.

닉 케이브, Into My Arms

‘How Long Will I Love You’는 이 영화를 위해 만들어진 곡은 아닙니다. 1990년 스코틀랜드 출신 포크록 밴드 The Waterboys가 자신들의 4번째 앨범 “Room to Roam”에 수록한 바 있습니다. 이 노래의 소박하지만 귀에 남는 멜로디는 당시에도 주목을 받았죠. 그래서 앨범의 첫 싱글로 발매되었고, 영국, 프랑스, 독일, 아일랜드 등에서 히트한 바 있습니다. 영화 <어바웃 타임>에 등장하는 버전은 원곡이 아닙니다. 2012년 영국의 싱어송라이터이자 배우이기도 한 엘리 굴딩Ellie Goulding의 두 번째 앨범 [Halcyon]에 수록된 이 곡의 리메이크한 버전이 등장합니다. 차분하면서도 신비스러운 목소리가 돋보이는 트랙이죠. 영화 후반부에 등장합니다. 하지만 더 많은 분들이 기억하는 건, 남녀 주인공의 사랑이 무르익어가며 지하철 장면이 계속될 때 흘러나오는 길거리 악사들의 버전일 겁니다.

길거리 악사로 등장한 이는 존 보든Jon Boden으로 배우가 아니라 노래를 부른 주인공이기도 합니다. 기타, 만돌린, 피들(바이올린)을 연주하는 세 명의 길거리 악사는 Jon Boden, Sam Sweeney, Ben Coleman입니다. 존 보든은 1977년 미국 시카고에서 태어났지만, 어린 시절 영국 윈체스터로 이주해 영국인으로 성장했습니다. 그래서 그의 음악에는 영국 포크 특유의 서정성이 깃들어 있죠. 미국의 포크가 우디 거스리의 음악이 그러하듯 백인 음악이라도 남부에서 자연스럽게 블루스와 엮이며 읊조리고 있음에도 어딘가 왁자지껄한 느낌이 자주 보인다면, 영국 포크는 음계나 분위기가 다소 다르죠.

여하튼 존 보든은 2010년부터 2011년까지 1년간, “A Folk Song A Day”라는 개인 프로젝트를 진행해서 유명세를 얻기도 했죠. 하루에 포크 노래 한 곡씩을 녹음하여 한 달에 한 장, 일 년에 12장의 CD를 발표하는 놀라운 스케줄이었죠. 물론 영국의 전통적인 포크 넘버들이긴 했습니다만, 300곡 넘게, 그것도 전 곡을 새롭게 편곡하여 녹음했다는 것은, 시도 자체로도 만만치 않은 작업이었습니다. 이러한 기록을 보유한 포크 싱어이기 때문인지 몰라도, 2010년 BBC의 올해의 포크 가수로 선정되기도 했습니다. 그렇다곤 하지만, 존 보든은 세계적인 유명세를 얻고 있는 슈퍼스타는 아닙니다. 홈페이지에 가봐도 칙칙한 분위기 팍팍 풍기는 개인 블로그 업그레이드 버전처럼 느껴지니까요.

담백하고, 만돌린과 피들이 만드는 특유의 촌스러움이 되려 멋스럽게 느껴지는 이 연주는 활활 빛나는 사랑도, 초인적인 능력으로 감동스러운 사랑도 아닌, 하루하루가 소중한 삶과 사랑에 대해 설파하는 영화의 분위기와 너무나 잘 맞아떨어집니다.

“하늘에 저 별들이 다 사라질 때까지 당신을 사랑할 거예요”

“나이트 플라이트”, 웨스 크레이븐이 가진 한계

호러영화는 원래부터가 여성성에 대한 공포와 혐오에 그 뿌리를 두고 있으며, 특히 연쇄살인범을 등장시키고 스릴 혹은 샤커(shocker)를 주무기로 하는, 호러에서도 슬래셔라는 서브 장르는, 가장 약해보이는 여성을 주인공으로 내세워 온갖 갖은 고생을 시키면서, 역으로는 감독의 역량에 따라 혐오와 공포의 대상이 되는 여성성이 사회적으로 어떻게 억압받고 소외된 결과물인지 (그리고 이것이 어떻게 또다시 혐오와 공포를 강화시키는지) 그 어느 장르보다도 더욱 섬세하게 드러내는 장르이기도 하다.

영화에서 섹스를 한 여자주인공이 가장 먼저, 그것도 가장 잔혹하게 죽음을 당하는 것은 언제나 10대의 성에 대한 경고라는, 지극히 꼰대적인 가치관에서 비롯한다. 『스크림』에서 “웨스 크레이븐”이 보여준 것은 이제껏 공고하게 쌓아올려진 호러장르의 가장 전통적인 장르 컨벤션을 정확히 정반대로 뒤집는 것이었고, 내 눈에 가장 강하게 띈 것은 역시나 여주인공의 변화라 할 수 있다.

옆집 여동생같은 여린 소녀(“니브 캠벨”이 TV 시리즈 『파티 파이브』를 통해 스타가 된 배우임을 상기하라.)는 단적으로 섹스를 하고도 살아남는다. 뿐만 아니라 영화 내내 듬직하고 믿음직한 남자주인공의 노력과 보호를 착취하다가 막판에서야 뭔가 시늉을 하고 살아남는 여자 캐릭터가 아니라, 철녀도 아닌 주제에 갖은 고생을 하며 오히려 옆집 오빠(“데이빗 아퀘트”)를 구해내고, 당연히 그녀를 지켜주다가 장렬히 죽을 것같았던 남자친구가 오히려 범인임이 밝혀진다. (그러므로 스크림 2, 3는 1에서 오히려 퇴행한 결과다.) 이것이 중요한 것은, 몸은 젊은이라고, 또한 진보라고 떠들어대는 숱한 젊은 (남자) 호러감독들이 하지 못했던 것(혹은 하기 싫어했던 것을 오히려 “웨스 크레이븐”이 ‘아버지의 권위로’ 해낸 것이라는 점이다.

그러나 『스크림』시리즈가 가진 맹점은, 기존의 호러 컨벤션을 정확히 반대로 뒤집었다는, 바로 그 점이기도 하다. 이것은 그가 여전히 기존의 호러 컨벤션의 지배를 받고 있다는 뜻이기도 하기 때문이다. 그리고 서브장르가 바뀌긴 했지만(『나이트 플라이트』는 슬래셔가 아니다) 여기에서 더 나아간 결과, 그러나 아직 마땅한 대안을 찾지 못한 채 과도기를 거치고 있는 영화가 바로 『나이트 플라이트』라 할 수 있을 것이다.

90분도 채 안 되는 이 짧은 영화가 맥빠지고 심심한 영화로 느껴지는 것은 비행기가 도착한 후부터 상황이 완전히 역전되기 때문이다. 공포에 질려 벌벌 떨면서 안타까움과 보호본능을 유발하는 여주인공은 사라졌고, 절대적인 공포의 담지자일 것만 같았던 ‘그’는 알고보니 허풍쟁이 삼류에 어설픈 마초근성을 드러내다가 망신을 산다. 마초의 법칙은 대놓고 비웃음을 당한다. ‘상황논리에 맞게 이성적으로 대처하는 숫컷의 법칙을 따르라’ 블라블라는 공식적으로 사망선고를 받는 것이다.

‘그녀’가 눈부신 방어자이자 구원자가 될 수 있었던 건 아이러니컬하게도 그녀가 폭력의 희생자였기 때문이다. 기존의 폭력의 희생자와 다른 점은, 그녀가 단지 폭력의 ‘희생자'(Victim)가 아니라 ‘생존자'(Survivor)이기 때문이다. 단순히 생존한 것이 아니라 그녀는, 그 폭력을 이겨내었다. 그리고 ‘다시는 희생자가 되지 않으리라’ 결심했다. 이것이, 그녀가 다시 닥친 일생 최대의 위기에서 살아남을 뿐 아니라 위험을 제거하고 다른 이의 목숨까지도 구할 수 있었던 원동력이다. (그리하여 그녀는 참으로 눈부시게, 킬러가 초라해보일 정도로, 고난을 이겨낸다. 너무 쉽다 싶을 정도로.)

여기서 또다시 재미있는 것은 딸을 욕망하는 아버지와 아버지에게 욕망을 느끼는 딸의 관계, 이른바 프로이트적인 아버지-딸의 고착은 스크린 안과 밖에서 동시에 발생하고 있다는 점이다. 위에서 언급한 대로, 호러영화의 컨벤션을 정확히 반대로 뒤집고 새로운 여성성을 부여해준 존재가 B급 호러 영화의 대부, 즉 ‘아버지의 권위를 가진 자’인 “웨스 크레이븐”이다.

아 그러게 폼만 그럴 듯하면 뭐하냐고 ... (그래도 넘 예뻐, 킬리안! ㅠ.ㅠ)

스크린 안에서, 다 큰 딸에게 위협을 가하는 것은 ‘포악한 아버지'(“브라이언 콕스”, 『트로이』에서 아가멤논을 연기한 바 있는 그는 이제껏 너무나 자주 ‘포악한 아버지’를 연기해왔다)가 아니라 그녀 또래의 미성숙한 젊은 남자 잭슨(“킬리안 머피”, 뭇 젊은 여성들에게 사랑받는 게스모델 출신의 ‘예쁜’ 남자배우)이다.

이 영화의 갈등구도는 마치, 딸이 데려온 남자친구를 번번이 트집잡아 싫어하다가 딸이 마침 남자친구와 문제가 생기자 ‘거봐, 내가 뭐랬냐’라고 기다렸다는 듯 말을 하며 딸을 위로하는 아버지를 보는 듯한 느낌이다. 게다가 그녀 주변인물들은 이러한 딸에 대한 아버지의 욕망을 온통 ‘그럴듯하게’ 만들어주는 사람들뿐이다.

딸보다 어린 남자는 ‘연필을 잃어버리고 당황하는’ 바보일 뿐이고, 딸의 친모는 얼굴조차 내밀지 않고, 그 친모의 친모는 막 죽었으며(그녀는 외할머니의 장례식에 다녀오는 길이다.), 딸의 어머니 세대의 다른 여성은 그녀의 호의를 입었으면서도 그녀에게 아무 도움도 희망도 되지 못하고 실망만 끼친다. (그녀의 호의로 전달된 ‘책’은, 나중에 그녀의 SOS 메시지를 담고 있는 매개가 됨에도 부주의하게 분실되어 악당의 손으로 들어간다.)

반면 여전히 사회적인 권위와 힘을 가지고 자신의 가족을 단단히 보호하는 것은 아버지 또래의 남자, 키프 의원이다. 영화의 결말에서, 딸은 아버지를 구하고 아버지는 딸을 구한다. 딸에 대해 노골적인 욕망을 드러내는 아버지와 아버지에게 여전히 고착된 딸의 이상한 근친관계가 더욱 강화된다. 그들 부녀 사이에 이제는 아무도 (아무것도) 쉽게 끼어들 수 없다.

아버지는 비리비리한 아들 – 여전히 남성적 권위를 지탱해주는 사회 제도와 법에 기대어 정작 그 자신의 주체는 나약할 대로 나약해져버린 아들 – 이 아니라, 치열한 생존 게임을 치르고 그 누구도 돕지도 돌봐주지도 않은 상황에서 살아남아 자기 혼자 훌쩍 선택해버린 딸을 선택했다. 이는 어쩌면 앞으로의 세상이 아들이 아닌 딸들의 것이 될 것이라 예감한 아버지의 ‘약삭빠른’ 지분거림일 수도 있고, 조금 약해지긴 했지만 폐기당한 것은 아닌 아버지의 권위로 승인한 것일 수도 있다.

『나이트 플라이트』가 페미니즘적 관점에서 갖는 의미는 이것이다. 아버지는 호기롭게 딸을 승인한다. 딸을 통해 구원받은 아버지의 보상은 자랑스러운 딸에 대한 인정과 승인이다. (그녀는 자신의 친부와 키프 의원, 둘 다에게서 인정을 받는다.)

기존의 신화구조에서 언제나 아들은 아버지를 죽여야만 했다. 새로운 세대는 아버지 세대를 극복하고 ‘자신들의 시대’를 열어가야 하는 법이기 때문이다. 그러므로 딸 역시, 아들과 방식은 다를지라도, 아버지를 극복해야 한다. 말하자면 아버지는, 자신을 살해하고 자신의 자리를 차지할 아들이 두려워 후계자를 필요로 하면서도 자신의 권위를 되도록 오래 지속하기 위해 자신의 권위를 위협하지 않는 존재로서 딸을 선택해버린 것인지도 모른다. 선택받은 딸에게 굳이 아들처럼 아버지를 죽이는 살부 단계가 필요하지 않을지는 몰라도 또다른 방식으로든 뭐든 아버지를 극복해야만 하는 단계는 분명히 필요하다.

그렇지 않는 한 딸은 아버지 권력의 대리자, 즉 아버지를 제몸에 승화시킴으로서 구세대적 – 낡은 권력을 되도록 오래 지탱해주는 새로운 지지대에 불과해지기 때문이다. 아버지의 승인과 인정은, 아들이 아닌 딸의 가능성과 딸의 주체성을 인정한다는 ‘한 발 나아간’ 진보에도 불구하고, 단지 아들이 아닌 딸을 자신의 ‘후계자’로 승인했을 뿐 여전히 자식에 대한 소유권과 그 자신의 권위를 과시한다는 점에서, 여전히 ‘굳건한 아버지의 권위’를 고수하며 자식에게 ‘아버지 살해’의 기회를 주지 않는다는 점에서 오히려 더욱 보수적인 앙시엥 레짐이다.

(브루주아를 견제하기 위해 프롤레타리에게 추파를 보내는 귀족?) 여전히 이것이 “웨스 크레이븐”이 가진 (어쩌면 영원히 극복할 수 없는, 그리고 이미 ‘아버지’인 그로서는 어쩔 수 없는) 한계이다.

영진공 노바리

“셜록 홈즈”, 죄송합니다만 동명이인이십니다.

<셜록 홈즈>는 여러모로 흥미로운 요소가 많았던 프로젝트였습니다. <셜록 홈즈>에 관한 키워드는 세 가지로 요약할 수 있는데, 코난 도일의 원작 캐릭터인 명탐정 셜록 홈즈의 영화화, 돌아온 악동 배우를 넘어서 요즘 이보다 더 좋은 활약을 보여줄 순 없다 싶을 정도의 로버트 다우니 주니어, 그리고 마돈나 남편의 지위를 졸업(?)하고 돌아온 가이 리치 감독의 복귀작이라는 점입니다.

여기에 왓슨 박사 역으로 참여한 주드 로나 셜록 홈즈의 연인이자 팜므 파탈로 출연하고 있는 레이첼 맥아담스의 매력에 관해 조금 곁들이면 되었을 작품이죠. 하지만 그 결과물이 기대했던 것 만큼 재미있지가 못하니 영화와 관련된 수많은 이야기 거리들이 쑥 들어가 버리는군요.

오래 전부터 사전 공개되었던 한 장의 스틸컷(위 사진)은 <셜록 홈즈>가 원작에 충실한 작품이기 보다는 가이 리치와 로버트 다우니 주니어에 의한 캐릭터의 변형 또는 재창조에 중점을 두고 있다는 사실을 한 눈에 알아볼 수 있게 했습니다.

감독의 전작 <스내치>(2002) 를 연상시키는 도박 싸움판에 셜록 홈즈로 분한 로버트 다우니 주니어가 웃통을 벗고 서 있는 이 사진은 명석한 두뇌로 사건의 열쇠를 찾아내는 학구적인 이미지의 셜록 홈즈는 완전히 잊어버리라는 선언문과도 같았죠. 남은 것은 추리와 액션의 배합 비율 정도였다고 할까요.

역시나 <셜록 홈즈>를 통해 재탄생한 셜록 홈즈의 모습은 지금까지 알려졌던 영국 신사의 이미지와는 상당한 거리가 있습니다. 이 새로운 셜록 홈즈는 사건이 없으면 집 밖으로 거의 나가지도 않는 히키코모리 성향에 엉뚱한 실험과 검증에 열을 올리며 이웃들에게 민폐를 끼치기도 하고 – 그런 사실에 대해 아랑곳하지도 않죠 – 또한 거의 유일한 친구이자 동료이며 룸메이트이기도 한 왓슨 박사의 약혼을 훼방하는 집착증을 보이기까지 합니다.

말 보다 주먹이 먼저 나가는 다혈질이라기 보다는 살짝 궁상맞기까지 한 괴짜 캐릭터라고 하겠습니다. 어쩌면 이것이야 말로 진정한 영국 남자들의 속살이라고 주장할 수도 있을 새로운 셜록 홈즈에 대한 캐릭터 묘사는 썩 재미있는 정도는 아니지만 좋은 배우들의 연기와 어우러지면서 빠른 적응을 돕고 있습니다.

가이 리치 감독이 원작에 충실한 셜록 홈즈 영화를 만들 것이라 기대했던 경우가 아니라면 로버트 다우니 주니어와 주드 로의 새로운 셜록 홈즈와 왓슨 박사는 만족할 수 있는 수준입니다. 여기에 가세하고 있는 레이첼 맥아담스와의 러브 라인은 내러티브 전개에 밀접하게 연계가 되면서 생뚱맞은 느낌이 없이 작품 전체를 꽤 풍성하게 해준다고 할 수 있습니다.

개인적으로는 차라리 각본의 구성부터 가이 리치에게 맡겨서 완전히 새로운 영국 산업혁명기의 코믹 탐정물로 만들어버렸다면 어땠을까 싶기는 합니다. 그야말로 이름만 셜록 홈즈인 막돼먹은 깡패 탐정이 되었을 수도 있겠지만 좀 더 확실한 재미와 볼거리를 제공해줄 수 있었지 않았겠냐는 아쉬움이 남습니다.

<셜록 홈즈>가 상당히 지루하고 재미없는 영화가 되어버린 건 이 새로운 셜록 홈즈가 감당해야 하는 범죄의 성격과 이야기를 풀어가는 고리타분한 전개 방식입니다. 블럭버스터 영화들은 왜 하나 같이 블럭버스터급의 음모를 상대해야만 하는 것인지, 그리고 코에 걸면 코걸이 귀에 걸면 귀걸이 식의 믿거나 말거나 막판 뒷풀이 설명은 왜 꼭 집어넣어야 하는 것인지 잘 모르겠습니다.

생명력이 느껴지지 않는 내러티브에 비해 비주얼은 상당히 공을 많이 들인 편인데 문제는 관객 입장에서 그닥 대단한 볼거리로 인식되지는 않는다는 점입니다. 당시 건설 중이었던 타워브릿지와 템즈강 주변의 런던 모습을 재현하고 있는 것 외에도 ‘KBS에 단 한 대 밖에 없다는 초고속 카메라’를 빌려다 세 장면 정도의 슬로우 모션 장면을 넣었는데 나름대로 가이 리치 감독 영화의 인증 마크가 되어주고는 있습니다만 역시나 작품 전체와 밀접하지는 않은 보너스 컷에 불과합니다 – 그 중 세 명의 템즈강변의 폭파 장면은 그나마 괜찮았어요.

<셜록 홈즈>는 처음부터 영국이 낳은 최고 명탐정의 이야기를 21세기 액션 영웅 버전으로 리뉴얼하면서 최소한 두 편 이상의 시리즈물로 이어가고자 했던 것으로 보입니다. 여기에 가이 리치 감독이 연출자로 결정되고 좋은 배우들까지 가세하면서 많은 기대감 속에 프로젝트의 몸집을 크게 불릴 수 있었던 모양이예요. 하지만 그 결과물을 보면 속편에 대한 기대감에 잠 못 이룰 일은 없을 것이 확실해서 마음이 편안해집니다.

확인 결과 2011년 예정으로 가이 리치 감독이 속편을 만들 예정인 것으로 나오기는 하지만 만들어진 영화만 놓고 봤을 때에는 이것의 속편이 과연 만들어질 수는 있을런지, 그리고 가이 리치 감독이 계속 연출을 맡을 수 있을런지도 알 수 없겠다는 생각을 하게 됩니다. 가이 리치 감독은 좀 더 분방한 작품에서 장점이 드러나는 편이라 생각되는데 이 셜록 홈즈 리뉴얼 및 프렌차이즈 프로젝트와는 그다지 잘 어울리는 것 같지가 않아요.

로버트 다우니 주니어가 셜록 홈즈를 연기한다는 것은 영국식 액센트로 대사를 해야 한다는 것을 의미했는데 아주 인상적인 수준까지는 아니지만 그 정도면 무난했다는 평을 해줄 수 있을 듯 합니다. 사실 로버트 다우니 주니어는 연기 천재에 가까운 배우이고 최근 <트로픽 썬더>(2008)에서도 자신이 아니면 다른 누구도 해낼 수 없는 놀라운 경지를 보여준 바가 있었죠. 올해 드디어 속편이 개봉되는 <아이언 맨>(2008) 역시 로버트 다우니 주니어이기에 매력적인 캐릭터가 될 수 있었던 작품들 가운데 하나였고요.

하지만 <셜록 홈즈>는 아무래도 고개를 갸우뚱하게 됩니다. 작품 전체가 좋았더라면 모두의 바램대로 로버트 다우니 주니어 전성 시대를 이어가는 또 하나의 축이 될 수 있었을텐데 로버트 다우니 주니어의 연기에 특별한 문제가 없었음에도 그다지 매력적인 인상을 남겨주지는 못하는 이상한 나라의 셜록 홈즈가 되고 말았다는 생각입니다.

영진공 신어지