“127시간”, 예상된 결말이지만 지루함이 없는 연출





퀀틴 타란티노 감독이 영원한 <펄프 픽션>(1994)의 그 감독이듯이 – 누군가에게는 <저수지의 개들>(1992)일 수도 있겠지만 – 대니 보일 감독은 영원한 <트레인스포팅>(1996)의 – 물론 <쉘로우 그레이브>(1994)가 먼저이긴 합니다만 – 그 감독입니다.

개인적으로 <트레인스포팅>을 통해 대니 보일 감독을 처음 알게 되었고 이후 헐리웃에 진출해서 만든 <인질>(1997)과 <비치>(2000), 두 작품도 모두 좋아합니다. 두 작품은 흥행에 실패했고 이후 대니 보일 감독은 헐리웃을 떠나 조용히 영국으로 돌아왔죠.
당시 세간의 평가는 단순히 대니 보일 감독이 헐리웃 진출에 실패했다는 거였습니다만 지금 돌이켜보면 궁합이 잘 맞지 않는 결혼 생활을 청산하고 좀 더 바람직한 방향을 모색했다고 할 수 있게 되었죠.



영국으로 돌아온 이후 대니 보일 감독은 본업인 TV용 영화 두 편을 연출한 뒤, 단돈 8백만불을 들여 만든 <28일 후…>(2002)를 통해 좀비 영화의 트렌드를 완전히 바꿔놓았고, <밀리언스>(2004)와 <선샤인>(2007)을 거쳐 <슬럼독 밀리어네어>(2008)를 통해 영화 감독으로서 노려볼 수 있는 모든 트로피와 찬사를 한꺼번에 거둬들이는 성과를 이뤄냈지요 – 덕분에 한 편의 작품으로 골든글로브, 감독 협회, BAFTA, 그리고 아카데미에서 모두 상을 받은 7번째 감독으로도 이름을 올렸습니다.

<127시간>은 롤러코스터 같은 이력의 영화 감독 대니 보일의 9번째 장편입니다. <슬럼독 밀리어네어> 이후 여기저기에서 많은 연출 제안이 들어왔을텐데, 대니 보일 감독의 선택은 아직 다뤄보지 않았던 새로운 영역을 모색할 수 있는 훨씬 단촐한 규모의 프로젝트였습니다.




* 스포일러가 있습니다 *










<127시간>은 그야말로 제목 그대로의 영화라고 할 수 있겠네요. 알려진 바와 같이 애론 랠스턴의 자서전 <Between a Rock and a Hard Place>(2004)에 기록된 실화를 각색한 작품으로, 그랜드 캐년에서 하이킹을 즐기던 중에 추락 사고를 당해 오른팔이 바위 틈에 끼어 움직일 수가 없게 된 상태로 127시간 – 계산해보면 5.3일 정도 됩니다 – 을 버틴 끝에 마침내 살아남았다는 이야기입니다.

영화 속에서 다뤄지는 메인 이벤트라는 건 고작해야 좁은 협곡 사이에 갇혀서 괴로워하다가 죽기 직전에 이르러 마침내 빠져나왔다는 것이 전부이고, 이런 정도의 사전 정보에서 크게 벗어나는 완전한 예상 밖의 전개가 숨겨져있는 작품인 것도 아닙니다. 말 그대로 정중동(靜中動)의 영화라고 할까요.

한쪽 팔이 끼어 옴짝달싹할 수도 없고 다른 누군가의 도움을 기대하는 것 역시 불가능한 상황에서 주인공 애런(제임스 프랭코)의 조용한 사투와 감정적인 변화의 향방를 면밀하게 따라나서는 작품이 <127시간>이라고 하겠습니다.




대니 보일 감독은 <127시간>에 대해 “삶의 소중함에 관한 영화이고, 그 삶이란 다른 사람들과의 관계를 통해서만 소중함이 드러난다”고 했더군요. 그런 점에서 숀 펜 감독, 에밀 허쉬 주연의 2007년작 <인투 더 와일드>와 일면 상통하는 작품이라 하겠습니다.

애런이 조난을 당한 이후 구조를 받을 수 있으리라는 희망을 갖기가 어려웠던 이유는 조난 당한 위치 때문이 아니라 자신의 여행 계획을 아무에게도 알리지 않았기 때문입니다. 캠코더로 유언을 남기는 중에 어머니의 전화를 잘 받지 않았던 자신의 무심함에 대해 용서를 구하기도 하지요.

그리고 영화는 애런을 구원해주었던 것은 다름 아닌 애런이 알고 지냈던 다른 사람들이었음을 증언합니다. 비록 연락을 닿을 수는 없지만 그들과 만들었던 추억과 그들에게 다시 돌아가야겠다는 의지가 애런으로 하여금 선택을 할 수 있게 만든 것이지요.






안경을 쓴 이가 애론 랠스턴

 

<127시간>은 세상에 널리 알려진 실화로서 충분히 예상 가능한 결말 때문에 작품 전체적인 긴장감은 떨어질 수 밖에 없는 한계를 안고 있는 작품입니다. 그럼에도 너끈히 장편 영화로서의 본분을 다 해낼 수 있는 이유는 애런 랠스턴의 극적인 실화를 다큐멘터리를 보듯 재현해낸 대니 보일 감독의 연출과 제임스 프랭코의 헌신적인 연기 덕분이라 하겠습니다.

특히 화장실과 같이 비좁은 장소에서 다채로운 아이디어로 스펙타클한 비주얼을 잘 만들어내곤 하는 대니 보일 감독의 재능이 이토록 작고 비좁은 영화에서도 빛을 발했다고 할 수 있겠습니다.



영진공 신어지


가장 한국적인 것이 세계적이라고?, <슬럼독 밀리어네어> 단상

영화 <슬럼독 밀리어네어>를 봤다.
영화야 뭐… 충분히 익숙하면서도 참신하고, 현실감 있으면서도 로맨틱하며, 동화적이면서도 긴장감 넘친다.

한마디로 말하면, 재미있다.
영화가 꽤 긴데, 그렇게 긴 줄 몰랐을 정도니까.
게다가 해피엔딩이다. 그게 뭐 그리 대단하냐고?

이 영화, 얼토당토않은 설정을 밀고나가는 영화답지 않게 아슬아슬하고 긴장감이 넘치기 때문에 해피엔딩이 정말 고맙게 느껴질 지경이다. 심지어 나는 엔딩을 보며 좀 울컥했을 정도다.

보통 이 영화가 미국 아카데미상 시상식에서 <다크 나이트>나 <벤자민 버튼> 같은 수준작들을 제치고 작품상을 포함한 알짜배기 상을 8개나 탔다는 사실을 놓고 미국 주류영화계가 인도를 받아들였다고들 말한다. 물론 그 수상은 분명 이례적인 일이다. 이 영화가 재미야 있지만, 그리고 나름 새롭지만 아주아주 대단한 작품은 아니거든. 따라서 이 영화의 성공이 바로 ‘인도’ 라는 나라의 사회와 역사와 문화에 영향받은 것에 대해서는 아마 거의 모두가 동의할 것이다.

그러나 이게 그렇게 간단하게 보고 넘길 일이 아니다.
문화에 대해 우리가 익숙한 말 중에, “가장 한국적인 것이 가장 세계적이다” 라는 표어가 있다. 어찌보면 이 영화도 바로 위의 표어를 증빙하는 사례로 해석할 수 있어 보인다.

그렇다. 이 영화도 인도적인 것을 다루었기 때문에 세계적인 성공을 거둔 거는 맞다.
하지만 그것을 “가장 인도적인 것”이라고 할 수 있을까?

미국에 헐리우드가 있다면, 인도에는 발리우드가 있다.
헐리우드 영화가 미국의 주류 상업영화를 대표하듯, 발리우드 영화 역시 인도의 주류 상업영화를 대표한다. 따라서 가장 인도적인 것이라면 보통은 이 발리우드 영화적인 것이라고 생각하는 것이 상식이다.

하지만 이 영화 <슬럼독>은 발리우드 영화와는 한참 떨어져 있다.
발리우드 영화에는 액션과 로맨스와 환타지가 넘치지만 진짜 인도 빈민들의 진짜 어두운 삶은 다루지 않는다. 하지만 이 <슬럼독>의 소재는 바로 그 진짜 빈민들이다.
심지어 영화에 등장하는 아역배우 3 명 중 2 명은 실제로 가난과 착취에 시달리는 애들이다. ‘살림’ 역을 맡은 애가 사는 집은 아직도 아래와 같은 꼬라지이며,
라티카’ 역을 맡은 애가 영화 촬영에 대해서 회고하며 “아무도 나를 때리지 않아서 참 좋았다”는 말을 남길 정도다.

그 아이들의 삶은 영화와 크게 다르지 않은 것이다.
 



‘살림’役 꼬마가 사는 “집” …

주인공들의 생김새도 주류배우들과는 많이 다르다.
남자배우도, 여자배우도 인도영화계 기준으로는 미남미녀라고 하기에 한끗 혹은 두끗 부족하다. 이 영화에 나오는 배우들은 인도주류 영화였다면 기껏해야 단역수준이라고나 할까.

그러니 아무리 이 영화가 성공했어도 주연 배우들은 인도 발리우드 영화계에서는 성공하지 못할 가능성이 매우 높다. 마지막의 발리우드 풍 군무조차도, 진짜 발리우드 영화의 기준으로는 참 싱겁고 뻣뻣한 군무라는 것은 아마 발리우드 영화를 한편이라도 보신 분이라면 누구든 동의하실 것이다.


발리우드의 대표 영화배우들이시다.

* 진짜 발리우드 군무라면 이 정도는 해줘야 한다 *
http://www.youtube.com/watch?v=waEXlvat5GA&hl=ko

실제로 인도 본토 사람들은 이 영화를 별로 좋아하지 않았다고 한다.
발리우드 영화에 비하면 지나치게 구중중하고 심각하고 게다가 흥겹지도 못하니
당연하지 않겠나.

게다가 인도를 무슨 거지소굴마냥 그렸다고 화를 낸다던데,
입장을 바꿔놓고 봐도 이해할 만하다.
우리나라에도 빈민가가 여전히 있지만 주류 영화계에서
더 이상 그런 곳을 소재로 하지는 않으니…

말이 길어졌지만 요약하면, 이 영화에 담긴 인도는 인도인들이 아는 인도가 아니다.
지극히 비주류의, 지극히 예외적인 시공이라는 얘기다.
 


그런데, 우리나라의 것 중에서 소위 한류를 일으킨 것들도 어떻게 보면 그렇다.
한류들이 우리에게 놀라운 일이었던 이유는 단순히 우리나라 것이 외국에서 인기를 얻어서가 아니라, 우리는 대수롭지 않게 여겼던 것들이 외국에서 뜻밖의 인기를 얻었기 때문이 아니던가?

일본에서 한류의 불꽃이 되었던 <겨울연가>, 그 이전에 한국 영화를 알렸던 <8월의 크리스마스>, 모두 우리나라에서 받아들여지던 모습과 일본에서 받아들여지는 모습이 완전히 다르다.

<겨울연가>는 우리나라 역사에 길이 남을 걸작이 아니라 기성품 드라마 중 하나였고, <8월의 크리스마스> 역시 규모에 비해서 알찬 흥행성적을 올린 작은 영화였다. 그것은 <내 머릿속의 지우개>도 마찬가지인데, 이들 모두 우리나라보다 일본에서 뜻밖의 대박을 쳤다.

우리나라에서는 아무래도 핑클이나 SES를 넘어서지 못하던 걸그룹 <베이비복스>가 중국과 동남아시아에서 폭발적인 인기를 얻는다거나 하는 것도 마찬가지다.

반면에 우리나라에서 정말 모두의 주목을 받은 진짜배기 주류는 의외로 외국에서 그만한 대접을 못 받는 경우가 많다. 우리나라 영화 흥행 1,2,3위를 차지하는 <괴물>, <태극기 휘날리며>, <실미도> 중에서 외국에서도 그에 상응하는 평을 받은 작품은 <괴물> 뿐이다.

게다가 <괴물>은 외국영화제에서의 호평 소문의 힘을 입어 성공했다고 볼 수도 있으니 예외적인 경우라 해도 무방하다 치면, 우리나라에서 잘나간 영화들이 외국에서 성공하지 못했다는 원칙이 통한다. 반면에 우리나라에서는 정말 미미한 주목을 받았던 김기덕 감독의 영화 <봄 여름 가을 겨울 그리고 봄>은 미국을 비롯한 여러 나라에서 한국영화의 대표로 인식되고 있다. 심지어 미국에서는 얼마 전까지 한국영화 흥행 1위작이기도 했었다.

그러고 보면 우리나라에서도 외국에서도 인기를 얻은 국민드라마 <대장금>은 오히려 예외적인 경우이고 대부분은 그 반대들이다.


물론 이런 현상의 원인이 우리나라 문화 자체가 여전히 주변부에 머물러 있기 때문이라고 볼 수도 있다. 문화계에서는 언제나 조금은 독특한 것이 인정받는다. 우리나라에서 김태희가 미인인 이유는 이 동네에 김태희 같은 미모가 드물기 때문이다. 하지만 중심부에서 주변부를 볼때는 그렇게 되지 않는다. 주변부라는 것 자체만으로도 독특하거든. 그때문에 그 주변부 동네에서는 보편적인 것이 중심부에 가면 더 잘 나가는 경우가 있다. 그래서 미국에서 높이 치는 한국 미인은 김태희가 아니라 순이나 장윤주 같은 무던한 한국 얼굴이 되는 거다.

하지만 꼭 그렇게만 봐야 하는 건 아니다.
우리나라에서 인기있는 팝송이나 외국 소설이 반드시 그 동네에서 인기있으리란 법은 없다.
예를 들어, 베르나르 베르베르의 소설 책은 우리나라에서 가장 많이 팔렸다. 마이클 베이의 <아일랜드>도 우리나라에서만 성공했다. 예수님도 “선지자는 밖에 나가서는 인정을 받는데, 자기 고향에서는 업신여김을 당한다” 고 말했다는 걸 보면 이건 정말 동서고금을 막론한 진실일지도 모른다.

결국 위의 말 “가장 한국적인 것이 가장 세계적이다”는 이렇게 보완될 필요가 있다.
“우리가 모르는 한국적인 것이 가장 세계적일 수 있다”

중요한 것은 바로 이 부분이다.

“우리는 뭐가 세계적인 것이 될지 모른다.”

그것이 빈민들의 험악하고 슬픈 삶일 수도 있고 사소한 취미일 수도 있으며 우리 모두가 대수롭지 않게 여기는 그 어떤 것이 될 수도 있다.

스케일을 조금 줄여놓고 보면 이것은 우리나라 안에서도 마찬가지다.
기획자나 감독이 스스로 “이거야 말로 대박이다!” 라고 생각한 것이 실제로 그들 마음의 밖에 나갔을 때도 대박이 되는 경우는 매우 드물다. 오히려 별다른 기대를 하지 않았는데 뜻밖의 성공을 하는 경우가 대부분이다.

<워낭소리>도 그렇지 않던가. 아무리 봐도 거기에 무슨 3백만명 동원 가능성이 보이질 않는다. <과속스캔들>도 마찬가지고 <추격자>도 그렇다. 누군들 그런 소박하거나 잔혹한 영화가 그해 최고 흥행작이 되리라 예상했겠나.

이런 일이 벌어지는 이유는 내가 보는 세상과 남들이 보는 세상이 다르고, 내가 보는 나와 남들이 보는 나도 다르기 때문이다. 우리는 세상을 온전히 볼 수 없다. 그저 가끔씩 던져지는 단서들을 만지작거리며 추측만 할 수 있을 뿐이다. 가끔은 세상이 던진 단서가 우리가 준비한 무엇과 맞아떨어지기도 한다. 마치 <슬럼독->의 자말에게 벌어진 일처럼 말이다. 하지만 자말 자신도 퀴즈쇼에 나가기 전까지는 그때의 그 경험이 바로 퀴즈의 정답이 되리라고는 꿈에도 생각지 못했을 것이다.

그러니 우린 계속 겸손해야 한다.
우리는 늘 맞추기보다는 틀리는 경우가 더 많다.

이솝도 이런 이야기를 해주지 않던가.

사슴 한 마리가 호수에 비친 자신의 뿔을 보니 너무 아름답고 늠름해 보였데, 가냘픈 다리를 보니 괜히 짜증이 났습니다.
어디선가 갑자기 사냥개 짖는 소리가 났습니다. 사슴은 숲 속으로 달아났습니다. 사냥개가 사슴의 빠른 발을 따라오지 못하는 것이었습니다. 그런데 그만 뿔이 나뭇가지 사이에 얽혀버렸습니다. 그 사이에 사냥개가 사슴의 코앞까지 달려왔습니다.
“아, 내가 구박했던 가냘픈 다리가 나를 살렸는데, 나의 사랑을 받던 뿔이 나를 죽이는구나

영진공 짱가

추가1.  아 참 근데, 어떤 나라의 문화부에서는 될 영화만 골라 밀어주겠다며?
도대체 어떻게 될 영화와 그렇지 않은 영화를 구분하겠다는 건가? 사람이 그걸 어캐 안다고 … 아무래도 그 나라 문화부장관은 무슨 신령님의 점지를 받은 모양이다.

추가2.  아카데미상 받은 거는 축하하는데, 영화 시작할 때 꼭 그렇게 자랑질 해야 하나 싶더구만 … 그건 좀 깨는 마케팅 아닌가?

추가3. 대니보일은 앞으로도 영화 성공하고 싶으면 화장실 투신 장면을 넣을지 모르겠다. <트레인스포팅>에 이어 이번에도 아주 쎈 화장실 투신 장면이 나온다. 맥락은 둘이 똑같다. 여튼 그 장면이 쎈만큼 더 영화가 잘 되었는지도 모르겠다.

“슬럼독 밀리어네어”, 내겐 사랑이 너무 써 …

그 수많은 시간들
그 수많은 역경들
그 수많은 사연들
그 수많은 노력으로

그 마약같은 사랑은
이제 종착역 없는 열차를 기다리고 있습니다


슬럼독 밀리어네어 (Slumdog Millionaire, 2008)

감독: 대니 보일
출연: 데브 파텔, 프리다 핀토, 아닐 카푸르, 미아 드레이크

28일의 사회 좀비 영화의 대니보일이 드디어 사고를 쳤습니다.
발리우드의 충실한 각본을 가지고 아카데미를 휩쓴 것입니다.

한국식으로 이야기 하면 산동네 판자집 출신이라는 슬럼독의 이야기로 인도를 가로지르는 아니 현재의 제3세계를 가로지르는
영화인 슬럼독 밀리어네어는,
일상의 장면들은 아주 아주 우울한 영화이지만 헐리우드와 발리우드의 공식에 철저하게 해피엔딩으로 끝나는
무거우면서 가벼운 위트의 영화입니다.

인도의 빈민가 출신의 고아 형제가 근대화와 맞물려 가면서 변화하는 인도사회의 현상을 투영하면서도 위트와 유모로 빈민가의
필요악일지도 모르는 기업형 구걸, 매춘, 조폭들의 생활을 바로 눈 앞에서 표현합니다. 암흑의 나락에서 희망은 보이지 않아도 그들
고아 형제들은 인생의 최선을 다해 매일 매일 역경을 헤치어 나아 갑니다.

시간이 흐르고 그들이 성인으로 들어가는 10대의 길목에서 형은 현실을 선택하고 동생은 사랑을 선택합니다. 형은 경제적으로 성공하지만 사랑을 선택한 동생은 현실의 고난에서 꿈을 꾸고 있을 뿐입니다. 결국 동생의 지고 무상한 사랑은
형과 주변사람들의 희생으로 그 빛을 보고 영화는 가슴따뜻한 결말을 추구하지만 결국 현실에서도 사랑이 모든것을 대신할만한 가치가
있는 걸까요. 제가 20대였다면 아무 의심없이 당연히 선택했을 길이지만 세월이 하수선하고 나이가 드니 겁부터 나는게 인생이고
사랑은 아프고 힘들어 그냥 외면하고 싶을때가 너무 많습니다.

아카데미 시상식에서 아역 배우들의 맑은 눈들을 보면서 다시 한번 영화의 감동으로 되돌아갔습니다. 어차피 일장춘몽 인생이면
마약보더 더 강렬했던 그 사랑에 인생을 맡기어 보는것도 백만장자가 되는 진정한 해답일지도 모르겠습니다.

영진공 클린트
슬럼독은 미국에 인도열풍을 가지고 올 영화일지도 모르겠습니다. 몇 년 전 “와호장룡”이 중국영화의 미국 진출을 가져 왔듯이
슬럼독이 발리우드 상륙의 교두보가 될 수 있을지 사뭇 궁금합니다.  이미 발리우드의 인도댄스 교습소들이 미국에서 인기가 많아졌다고
합니다. 한국식으로 보면 손찌르기 막춤인 인도 춤에 저까지도 흥겨워 집니다.

<선샤인(sunshine)>, “스토리가 영 석연찮긴 하지만 …”

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머나먼 미래 비실비실거리는 태양에 폭탄을 냅다 던져 다시 활력있는 태양으로 되돌리고자 지구의 자원을 아득바득 긁어모아 이름부터 의미심장한 ‘이카루스’라는 우주선을 만들어 폭탄을 싣고 태양으로 떠난다는, 줄거리만 들어보자면 히어로물인가 싶지만 다시 보면 감독이 ‘28일 후’의 대니 보일인지라 ‘아아..우주선에서 좀비들이 발광하는 영화구나..’ 하는 생각도 들테지만 이런 예상을 깨고 의외로 꽤나 철학적인 주제를 담고 있는 영화다. 인간을 창조한 신을 그 피조물인 인간의 손으로 부활시키려는 것이 올바른가 하는 신과 인간, 삶과 죽음 등 백날을 떠들어 봐야 네버엔딩이라는 이런 문제들을 우주라는 공간에서 죽어가는 태양을 배경삼아 이야기 하고 있는 그다지 호러물과는 거리가 먼 영화였던 것이다.



의욕이 철철 넘치는 이 대니 보일 감독님은 태양의 모습에서부터 우주선의 소품하나하나에까지 철저한 과학적 고증을 통해 만들어냈으며 배우들을 NASA에 위탁교육 시키고 합숙을 통해 손발을 맞추는 등 완벽한 세계관을 만들기 위해 노력하였다고 한다. 무엇보다 화면 가득히 펼쳐지는 그 엄청난 태양의 모습은 정말 극장가서 보지 못한게 억울해서 소주 병나발이라도 불고 싶을 정도로 최고다. 그러나 아쉽게도 스토리는 이런 철저한 과학적 고증의 수준을 따라오지 못한 채 영 석연찮음을 보여준다. 무엇보다 영화의 큰 비중을 차지하고 있는 앞서 출발했다가 실종된 이카루스 1호에 대한 이야기가 그다지 고개가 끄덕여지지도 그렇다고 충격적이지도 않으니 이게 무슨 과학 다큐가 아닌 다음에야 태양과 우주선만을 보며 환호를 지르기엔 영 허전하다.
 
비록 그렇다곤 하더라도 발로 쓴 스토리 수준은 아니니 우주와 SF를 사랑하는 당신이라면 이정도면 볼만한 영화다라고 추천하고 싶다.  



 





 영진공 self_fish