“컨저링”, 안전하고 가벼운 공포영화(?)

<컨저링>(Conjuring, 2013) 을 거의 개봉 직후 주말 낮에 봤는데, 주변에 ‘아줌마’ 관객들이 많았다는 게 흥미로웠다. 대체로 호러영화 하면 생각나는 관객들은 그 장르 매니아들이나 이제 막 데이트를 시작하는 젊고 풋풋한 연인들이니까.

“무서운 장면 없이 무섭다”라는 카피가(원래 미국에서는 ‘잔인한 장면 없이 무섭다’였지만) 호기심을 자극하는 것도 사실이다. 결과적으로, 영화를 보고 나서 이 영화가 기존 호러 관객뿐 아니라 광범위한 관객층을 공략할 수 있었던 건 이 영화가 가진 안전함과 가벼움 때문이라는 생각이 들었다.

이후에는 스포일러가 상당수 포함돼 있으니 이를 피하고 싶은 분들은 이쯤에서 백스페이스를 눌러주시고 …

다분히 낚시성의 포스터 이미지

자, 나는 지금 ‘안전함’과 ‘가벼움’이라는, 언뜻 이 영화에 전혀 어울려 보이지 않는 단어들을 선택했는데 그 이유는 이렇다.

<컨저링>은 호러영화 중에서도 전형적인 폴터가이스트 혹은 ‘귀신들린 집’ 장르이다. 이사온 날부터 집에서 이상한 현상들이 있고 다섯이나 되는 딸들 중 예민한 아이들은 이상한 행동을 하거나 헛것을 보기 시작한다. 그런데 이 집에 귀신들만 있느냐. 그렇지 않다. 이 귀신들은 실은 귀신 중에서도 대빵, 무려 ‘세일럼의 마녀’ 배스시바의 귀신에 희생된 이들이다.

세일럼의 마녀는 사타니즘에 심취해 제 아이들을 제물로 바쳤고, 이후 귀신이 되어 집에 거주하면서 이 집에 이사오는 엄마들을 조종해 제 아이를 살해하게 하고, 그렇게 새끼 귀신들을 파생시킨다. 그리하여 귀신을 몰아내기 위해 엑소시즘이 벌어지는데, 여기에서 슬쩍 크리스찬 호러(이른바 <오멘>, <엑소시스트> 등으로 대표되는)의 특징들이 얹힌다.

그런데 이 영화의 첫 시작은, <블레어 위치>나 <파라노말 액티비티>가 취했던 페이크 다큐멘터리 같은 에피소드로 시작한다. 그 에피소드는 또 ‘저주받은 인형’ 이야기다. 이쯤 되면 폴터가이스트에 ‘귀신’과 관련된 거의 모든 호러의 서브장르들이 이것저것 짬뽕됐다 하지 않을 수 없다.

대신 제임스 완 감독은 슬래셔와 스플래터만은 철저하게 배제한다. 그리하여 이 영화는 “잔인한 장면 없이 무섭다”는, 신체 훼손 장면은 꺼리지만 호러영화에는 호기심을 가진 관객들을 솔깃하게 만드는 카피를 전면에 내걸 수 있었다. 이러한 ‘안전함’은, 이 영화에 등장하는 무려 다섯이나 되는 아이들이 단 한 명도 죽거나 심각한 부상을 입지 않는다는 데서 완성된다.

직캠 공포영화의 원조, “블레어 위치”(1999)

마녀의 조종을 받아 제 아이를 죽일 뻔한 어머니는 엑소시즘 후 눈물을 흘리며 아이들을 품에 안는다. 위험한 시험대에 올랐던 모성 역시 결국 악령의 저주를 이겨내고, 이러한 모성의 승리는 페론 가족뿐 아니라 워렌 가족에게도 성취된다. 실존인물인 미국의 유명한 퇴마사 부부 에드와 로레인 워렌 부부가 가장 사악한 케이스라고 밝혔음에도 결국 아무도 죽지 않고 무사히 사건이 해결된다. 더욱이, 이런저런 서브장르의 특징들을 별 고민 없이 마구 가져와 뒤섞음으로써 전혀 웃기거나 가볍지 않음에도 메타-장르적 특성을 띄며 특유의 ‘가벼움’의 특징을 획득한다.

메타-호러로서의 특징 외에, <컨저링>은 일반적으로 호러영화들이 저예산에서 기인하는 ‘무명배우의 기용’이라는 특징을 드러낸다는 측면에서 예외적인 전략을 채택하고 있다. 베라 파미가는 우리에게 하정우와 함께 출연한 <두 번째 사랑> 외에도 마틴 스코시즈 감독의 <디파티드>의 여주인공으로 출연해 익숙한 배우이며, 제임스 완 감독과 <인시디어스>에서 작업한 바 있는 패트릭 윌슨 역시 연극 무대에서부터 실력을 다져 <오페라의 유령>에서 라울, <리틀 칠드런>에서 케이트 윈슬렛과의 공연, <왓치맨>에서의 나이트 아울 역으로 인지도가 있는 배우이다. 무엇보다도 배스시바의 귀신이 빙의된 페론 가족의 엄마 역을 맡은 릴리 테일러는 메리 해런(<나는 앤디 워홀을 쐈다>), 아벨 페라라(<어딕션>), 로버트 알트먼(<숏 컷>) 등과 함께 작업한 바 있으며 전세계 작가-감독들과 독립영화 감독이 탐을 내는 실력파 배우이다.

‘귀신들린 집’ 장르 특성상 한정된 공간에서 이야기가 진행될 수밖에 없는 대신, 집 내부의 구조를 입체적으로 활용하는 것은 물론, 좋은 배우들의 연기를 통해 전반적으로 꽉 찬 느낌을 주는 것도 <컨저링>이 가진 강점이라 할 수 있다. 이런 배우들이 집 안에 숨겨진 비밀통로 등을 통해 수직으로 낙하하거나 굴러떨어질 때의 추락감이, 영화의 중간중간에 불현듯한 속도감을 주며 주위를 환기시키곤 한다.

엑소시즘이 등장한다면 이런 장면이 필수죠!

이 영화를 보고 나온 직후에 일행과 함께 “정말 오랜만에 본, 정통 호러영화였다”며 만족감을 표시했고, 더욱이 죽는 사람이 아무도 없어 스트레스가 덜했다며 웃었다. 생각해 보면 이런 메타-호러를 오히려 ‘정통적’이라 느꼈던 것도 재미있지만, 이는 아마도 <블레어 윗치> 시리즈나 <파라노말 액티비티> 시리즈 이후로 조류가 크게 바뀐 듯한 호러영화 씬에서, 한동안 볼 수 없었던 옛 장르들의 혼성이 주는 쾌감 때문이었을 것이다.

더욱이 <컨저링>이 주는 폴터가이스트 장르의 공포가, 한국에서 얼마 전 흥행했던 <숨바꼭질>이 주는 공포와 일맥상통한다는 점에서, 배급운을 잘 탄 예라 하지 않을 수 없겠다. 가장 안전해야 할 보금자리가 가장 위험한 장소가 되고, 아이들의 보호자여야 할 부모(중 한 명)이 가장 위험한 존재가 될 수 있다는 설정이 한국에서 크게 인기를 끄는 것은, 더 이상 안전한 곳은 없다며 근원적인 공포를 느끼는 지금 우리들의 심리를 대변하는 것 같다.

ps1. 우리나라 극장판 자막에서 ‘배스시바’로 표기한 그 이름은, 서구에서 퍼스트 네임으로 사용되는 예를 거의 본 적이 없는 것 같은데… 성경에서 바로 다윗 왕이 목욕하는 모습에 홀려 원래 남편이던 부하를 사지에 내몰아 죽게 하고 뺏었다는 그 ‘밧세바’이다. 보통 밧세바는 다윗왕과의 이 에피소드로 유명하지만, 다윗왕 말년에 보면 반역 의지가 있었던 넷째 아들을 남편에게 일러바쳐 반역을 막고, 둘째 아들인 솔로몬이 왕이 되었을 때 본인이 직접 건의하여 넷째를 처형시켰다고 한다. 왕비 – 대비마마의 입장에서는 할 만한 처신이지만 ‘아들을 죽인 어미’인 것도 사실이다.

ps2. ‘세일럼의 마녀’는 ‘마녀사냥’의 비극적인 역사를 가리키는 대명사지만 이 영화에선 세일럼에 진짜 마녀가 있었다는 전제를 깔고 있다. 마녀사냥의 비극적 역사의 현장이나 어느 새 마녀의 고향이 돼 버린 세일럼에 애도를 …

ps3. 배스시바 역으로 나오는 이는 이 영화의 음악을 맡은 조셉 비샤라인데, 그는 제임스 완과 함께 한 전작 <인시디어스>에서도 귀신으로 출연한 바 있다.

“헨리의 범죄”(Henry’s Crime, 2011), 그가 저지른 진짜 범죄는?






⊙ 감독: 말콤 벤빌
⊙ 주연: 키아누 리브스, 베라 파미가, 제임스 칸

수줍고 조용했던 중학교 시절의 나에게 가장 큰 영감과 인생의 방향타 역할을 한 이는 이미 멀리 가신 위대한 위인들이 아닌 바로 내 옆, 아니 내 뒤에 앉아 까불던 친구였다.

이 친구는 좀 유별났다. 공부를 매우 잘했지만 여느 우등생 샌님들 같지 않았다. 항상 지각하고 곧잘 공부시간에 떠들다 혼나는 등 자갈치 시장마냥 부산스러웠다. 목소리도 크고 활달하며 싸움도 그다지 잘하지 못하면서 학교짱에게 선빵을 날리는 등 한마디로 괴짜였다.

수줍고 소심한 나와는 정 반대로 항상 자신감이 오버클릭 되어있던 이 친구는 나에게 있어 멘토와 같은 존재였다. 특히 그가 선생님의 어떠한 구타에도 굴하지 않고 일관성 있게 지각하는 모습은 제도권 교육에 맞서 자신의 소신과 의지를 관철시키려는, 마치 간디의 비폭력운동을 떠올리게 하였다.

그 친구의 지각은 나에겐 진정한 자신감의 소산으로 비추어졌고 그의 그림자라도 떼다 붙일 심정으로 그를 열심히 벤치마킹 하였다. 결국 그 친구로 인해 난 희끄므리하고 비실비실해 보이면서도 지각에 있어서는 선생님의 어떠한 폭력과 협박에도 굴하지 않고, 어떤 꼴통들과도 어깨를 견줄 수 있는 지각의 용사가 되어 파란만장한 학창시절을 보내게 되었다.

영화헨리의 범죄”에서도 이름처럼 맹숭맹숭하고 매력없는 주인공 헨리를 변화시킨 것은 다름 아닌 그의 깜빵 룸메이트 맥스였다. 그는 모든 죄수들과 친했고 자신감이 넘치는 인물이다. 심지어 가석방 심사에서도 과감한 기행으로 가석방을 냅다 차버린 자신감의 화신과도 같은 모습을 보인다. 소심한 이들에게 주변의 자신감 넘치는 친구란 가장 큰 영향을 끼칠 수 있는 존재다.

그래서 저지르지도 않은 죄명으로 복역을 했으니 차다리 죄를 지으라는 선불제스런 맥스의 말은 헨리에게 있어서 소심했던 지난 날을 걷어찰 수 있는 자신감의 상징으로 다가왔다. 그래서 내가 지각이란 행위에서 자신감을 찾으려 했듯 헨리는 은행강도가 되기 위해 점점 자신감있고 적극적인 인물로 다시 태어나게 된다.

은행강도가 되려는 헨리의 적극성은 연극배우라는 의외의 숨겨진 재능에 눈을 뜨게 만들었고, 지각의 용사였던 난 반항적 기질에 눈을 떠 세상에 순응하기 보다는 비판적으로 볼 수 있게 하는 눈을 가질 수 있었다.

그리고 지금 난 지각을 하지 않는다.



영진공 self_fish

“인 디 에어”, 우리 인생의 공허한 숫자들에 관하여


내겐 올해의 첫번째 만점 영화. 영화로서의 안락함과 놀라움을 모두 갖추었을 뿐만 아니라 우리가 어릴 적 영화를 처음 좋아했었던 이유들 – 예전엔 미처 몰랐던 신세계로의 간접 체험과 좋아하는 배우들을 볼 수 있다는 등의 즐거움 따위 – 로 가득한 영화다.

캘리포니아의 와이너리로 관객들을 느긋하게 안내했던 <사이드웨이>(2004)와 냉소적이며 비극적인 유머가 가슴 깊은 곳까지 파고들던 <아메리칸 뷰티>(1999)의 중간 어딘가에 위치할 수 있는 작품이라고도 하겠다.


* 스포일러가 있습니다 *

수입/배급사인 CJ엔터가 국내용 제목으로 ‘마일리지’를 내정해놓았다가 철회하는 일이 있어 빈축을 샀는데 막상 영화를 보면 내용과 크게 무관하지 않은 제목이긴 했다는 생각을 하게 된다.

주인공 라이언 빙햄(조지 클루니)은 해고 전문 인사 컨설턴트로서 연중 대부분의 시간을 미국 내 공항과 호텔에서 생활을 한다. 결혼도 하지 않은 절정의(?) 미중년 라이언이 삶의 목표로 삼고 있는 것은 다름아닌 천 만 마일의 항공사 마일리지를 돌파해서 세계에서 열 몇 번째에 해당되는 클럽 회원이 되는 것. <인 디 에어>는 결국 마일리지 쌓기에서 삶의 의미를 찾는 라이언의 이야기이고 이것은 다시 허공 위의 다른 무언가에 의미를 두고 사는 현대인들, 바로 우리 자신의 이야기가 된다.

항공사 마일리지는 고객 로열티 프로그램의 대명사다. <인 디 에어>에는 그외에도 다양한 형태의 고객 차별적 서비스 행태들이 나오곤 하는데 이는 영화 속에 나름 풍자적인 요소가 있다고 할 만한 부분이 된다.

길게 줄지어 서있는 일반 고객 대상 데스크 옆에 열받게시리 하루종일 비어있는 프레스티지 회원 전용 데스크 같은 것들 말이다. 영화 후반부에 마침내 라이언이 받게 되는 천 만 마일리지 클럽 회원 카드는 메탈 재질로 만들어져 있는데 국내에서는 모 카드사의 연회비 60만원짜리 카드가 이를 벤치마킹한 바 있다. 들리는 바에 의하면 회원들이 일반 플라스틱 카드 무게의 3배 정도인 금속 카드를 열심히 갖고 다닌댄다. 그야말로 Up In The Air의 삶을 위한 표지판인 셈이다.

우리에게는 다소 낯선 직업이지만 고용보장이 되지 않는 미국에서 해고 통보와 재취업 상담을 해주는 일은 회사의 인사 부서에서 아마도 가장 부담스러워 하는 일인지라, 그리하여 오늘날 라이언 빙햄과 같은 인물을 탄생케 한 것이리라.

최근의 뉴욕발 금융 위기와 경제 불황으로 이러한 특수 직종이 때아닌 호황을 맞이했더라는 설정은 – 월터 컨의 원작 소설은 2001년 7월에 첫 출간이 되긴 했지만 – <인 디 에어>가 관객들의 현재와 함께 호흡하는 작품이라는 인상을 심어주는 계기가 된다. 셀던 터너와 공동으로 각색 작업에 참여한 제이슨 라이트먼 감독은 컨설팅사 사장의 대사에 단 한 마디를 추가하면서 큰 효과를 얻어냈다. “지금이 바로 우리에겐 기회입니다”

변화 속에서 사람들은 기회를 얻기도 하지만 위기를 맞기도 한다. 100만 마일리지 고지를 눈앞에 둔 라이언에게 신입사원 나탈리(안나 켄드릭)의 제안은 – 퇴직 상담을 화상통화 시스템으로 대체해서 막대한 출장 비용을 절감하라! – 공항과 호텔을 오가는 라이언의 안정된(?) 생활을 파괴하려는 음모에 가깝다.

그러나 이야기의 구조상 가장 큰 갈등 요인이 될 수 있었던 나탈리의 제안은 파트너급 컨설턴트인 라이언이 나탈리를 데리고 다니며 퇴직 및 재취업 상담 실습을 시키는 과정에서 의외로 쉽게 해소가 되고 만다 – 그리고 바로 이 부분이 일반적인 헐리웃 코미디나 멜러 드라마들로부터 <인 디 에어>를 크게 달라지게 하는 요소이기도 하다. 라이언은 나탈리와 얼토당토 않는 소동극을 연출하지도 않고 연애를 시도하지도 않는다. 오히려 교과서와 강의실에서 아직 벗어나지 못한 나탈리의 성장을 돕는 멘토의 역할을 하게 된다.

안나 케드릭이 연기한 나탈리는 정말이지 아무도 안보는 곳에 데리고 가서 몇 대 쥐어박고 싶은 밉상 캐릭터를 너무나도 훌륭하게 보여준다. 아마도 10년 전 리즈 위더스푼이 욕심을 냈을 만한 배역이 아니었을까 싶은 이 나탈리라는 인물은 <인 디 에어>라는 인생 극장에서 또 한 명의 주인공으로 깊은 여운을 남기도 한다. 이 역시 ‘아카데미를 제외한’ 여러 시상식에서 각색상 트로피를 들어올린 제이슨 라이트먼 감독의 재능이다.

조지 클루니는 <ER>(1994)의 젊은 소아과 의사로 출연해 전세계에 그 명성을 떨친 바 있던 특유의 살인 미소를 오랜만에 되찾은 듯 하다.

<ER> 이후 조지 클루니는 좋은 배우로서, 그리고 존경할 만한 영화인으로서의 행보를 걸어오긴 했지만 다분히 대중적인 캐릭터를 요구했던 초기 출연작들에서의 인물상과는 점점 멀어지면서 사실 영화팬 입장에서는 그닥 즐거움을 선사해주지는 못했던 면이 있었다. 그런 점에서 <인 디 에어>에서의 조지 클루니는 오랜만에 매력적인 입체감을 뿜어내는 좋은 연기를 선보인다. 그런 주인공 배우의 매력 발산이 있기에 영화 말미의 스산함이 그토록 선명하게 다가올 수 있었던 것이 아니겠는가.

베라 파미가의 ‘뇌리에 사무치는’ 노출씬은 안타깝게도 대역이었다고 한다. 그럼에도 베라 파미가가 정상 컨디션이었을 때의 모습과 가장 유사한 대역을 쓴 것이라고 믿고 싶다. 사실 베라 파미가는 <15분>(2001)에서의 – 아, 그러고 보니 앤디 워홀의 “미래에는 모든 사람이 15분 동안 유명인이 된다”는 말에서 따온 제목이었구나 – 매우 불쌍한 동유럽계 불법 이민자 역할이 첫인상이었고 그 이후로 제대로 본 출연작이 없었다.

그런 와중에 만난 <인 디 에어>에서의 베라 파미가는 아니 원래 영어를 그렇게 잘 하셨던 건가요, 묻고 싶게 만들 정도로 매우 유창하고 자신만만한 모습을 보여준다. 아무튼 훌륭한 캐스팅이었고 그 역시 <인 디 에어>라는 인생극장에서 또 하나의 인생이었던 동시에 영화의 반전을 이끌어내는 핵심 원동력이 되고 있다.

영화를 보는 동안 라이언과 알렉스(베라 파미가)의 마지막이 어떻게 되느냐에 따라 <인 디 에어>라는 영화 전체의 격조가 달라질 것이라고 생각했었는데 아니나 다를까, 생각지도 못하게 굉장히 훌륭한 카운터 펀치가 되었다고 생각한다. 이럴 때 나는 좌석에서 몸이 10cm 정도 잠시 뜬 채로 박수를 친다. 인 디 에어드.

<인 디 에어>를 보면 <주노>(2005)를 통해 발견된 재능이 아카데미 각본상을 거머쥔 디아블로 코디 혼자만의 것이 결코 아니었음을 확인하게 된다. 제이슨 라이트먼 감독의 장편 데뷔작은 다름아닌 <땡큐 포 스모킹>(2005)이다.

George Clooney와 감독 Jason Reitman

영진공 신어지

“Up In The Air”, 그냥 설렁 설렁 살아도 되는 건가요?

사랑은 늘 그저 스쳐 지나가는 바람인것 같습니다.

머물러 있길 바래도 그저 지나가는 건가 봅니다.




그래도




세상에 하나쯤은 영원한것이 있었으면 좋겠습니다.


불황과 실업으로 세상이 하수선 해서 지난 일년간 그저 그런 killing time용 블럭버스터만 보고 살아온것 같습니다. 작년의
<2012>와 <아바타>가 그나마 머리에 들어오는 영화이고, 감동보다는 ‘와우’하고 놀라는 대작 영화들에 둘러싸여 보냈습니다.

해가 지나고 올해는 작년보다 낫겠지 하면서 우연히 <Up in the air>란 영화를 보다가 눈물이 주루룩 흘렀습니다.
제목을 한국말로 번역해보면 “하늘에서”란 정도의 뜻인데 조지 클루니가 나오는 코메디 드라마 장르의 영화입니다 .

스포일러를 조금 넣어서 이야기 하면 조지 클루니는 각 기업에서 해고를 할때 마지막 인터뷰를 기업 인사과를 대신해서 해주는
회사에 근무 중이고 그래서 일년에 11달 정도를 출장으로 보냅니다. 자기가 타고 다니는 아메리칸 에어라인의 천만마일 클럽 가입을
목표로 삼고 싱글의 즐거움을 만끽하며 늘 다니는 출장을 즐기는 중년의 사내입니다.

영화는 두가지 축으로 이루어 지는데 하나는 요즘 전세계를 휩쓸고 있는 경제위기 그리고 그 여파로 이루어지고 있는 수많은
해고자들과의 마지막 인터뷰 내용이고, 다른 하나는 원나잇 스탠드를 즐기던 조지 클루니가 하나뿐인 여동생의 결혼을 계기로 한 여자를 사랑하게
되고 그로 인해 정착을 원하게 되는 축 입니다. 물론 그 뒤로 몇 번의 반전이 있지만 자세한 내용은 생략합니다.

영화를 보면서 아이러니하게 눈물이 나온 곳은 사랑이 관련된 장면이 아니라 의외로 일종의 블랙 코메디로 나오는 수십명의 해고
인터뷰 장면이었습니다. 성실하게 일해온 청년/아저씨/아줌마/들이 하루아침에 해고 통고를 받습니다. 퇴직금 제도가 없는 미국은
해고시 느끼는 충격의 강도가 한국 보다 크다고 생각 됩니다.

우는 사람/화내는 사람/자포자기 하는 사람 / 애원하는 사람 등등 해고 인터뷰에서 나오는 여러 유형의 읍소를 하는 사람을 보면서
어차피 그 회사와는 전혀 상관없고. 힘도 없는 조지 클루니가 그들에게 하는 이야기는 간단합니다. “오늘의 이 해고가 너에게는
새로운 기회이다. 좀 더 능력을 쌓거나 자기 재질이 있으면 다른회사에 쉽게 가거나 또 자기에게 꼭 맡은 다른 일을 할 수 있다라는
생각을 가져라” 라는 상투적인 이야기 입니다.

 

작년 한해는 제가 살아오면서 주위가 가장 힘든 한해 였던것 같습니다. 수많은 지인들이 일을 잃어버리고 그들 대다수는 아직도 일을 찾지 못하고 있습니다. 그래서 늘 우울한 한해 였습니다. 경기회복이 되고 있다지만 실업에 관해서는 아직도 뾰족한
수가 없어 보입니다. 그래서 메인주제가 사랑영화인 이 영화를 보면서도 엉뚱한데에서 우울해 집니다.

게다가 해피엔딩 가족의 행복 등등으로 끝나는 헐리우드의 러브코메디와는 다르게 이 영화는, 내용은 아주 가볍게 주제는 무겁게 결론은 인생 뭐 다 그런거야 그냥 설렁 설렁 사는거야의 허무주의를 풍깁니다.

조지 클루니의 능글맞은 연기의 맛이 살아있습니다. 아직 한국에서는 개봉전인데 개봉하면 꼭 강추합니다. 혼자 보셔도 재미 있습니다.

영진공 클린트