“밴디다스”, 아기자기하고 유쾌발랄한 은행강도 영화



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이 영화는 옛날식 서부영화와 아웃로(Outlaw) 영화들의 문법을 흉내내면서도 훨씬 경박하고 경쾌합니다. 각본이 재치 만점입니다. 두 사람의 명확한 성격(및 출신성분)의 대조랄지, “셀마 헤이엑”의 귀여운 공주병이랄지, 두 사람이 은행을 터는 각각의 아기자기한 방식이나 그 와중에 벌이는 티격태격, 또 위기를 벗어나는 방식… 모두, 재치가 흘러넘치면서 자연스럽게 웃음을 끌어냅니다.

극장에서, 진정으로 재미있고 즐거워서 크게 웃음소리를 내는 것도, 다른 관객들이 그런 웃음소리를 내는 걸 듣는 것도 꽤 좋았을만치 옛날 은행강도 영화식의 낭만이 살아있으면서도 현대영화식 경쾌한 개그가 있습니다. 꽤 성공적으로 조합했다고 봐요.

좁은 공간 내에서의 액션씬도 나쁘지 않았어요. 열차 안에서 총격씬이랄지, 은행을 털 때마다 나오는 아이디어들, 그리고 그 시대 CSI 요원이라 할 수 있는 쿠엔틴 쿡(“스티븐 잔”)의 캐릭터도 재미있었습니다. 최첨단 과학을 차용해 수사를 펼치려 하지만, 굉장히 맹한 인물이기도 한 이 남자, “스티븐 잔”에게 정말 적역이었습니다.

성격 급하고 단무지인 마리아 캐릭터가 “페넬로페 크루즈”에게 그렇게 잘 어울릴 줄 몰랐습니다. 이 언니는 너무 고져스한 외모 때문에 항상 여신으로만 나왔잖아요. 총쏘는 폼도 아주 우아하고 멋지던걸요. 반면, 매 영화마다 굉장히 강한 캐릭터로 나오던(이것도 사실 헐리웃의 인종적 편견에 의한 것이지요…) “셀마 헤이엑”이 보여주는 사라 캐릭터의 페미닌한 소녀의 매력도 아주 잘 어울렸습니다.

초반에 둘이 우다다 싸우는 장면들은 확실히 남자관객들을 겨냥한 장면같아요. 여자 둘이 머리 끄댕이 잡고 싸우고 망가지면서 은근히 레즈에로물 같은 느낌을 주는 그런 거. 근데 그게 그렇게 눈에 거슬리진 않습니다. 꽤 귀엽고 코믹하게 처리가 돼서. 하지만 이렇게 아웅다웅하면서도 후반으로 갈수록 강해지는 우정, 그리고 오바하지 않고 민망하지 않게 나름 찡한 장면을 만들어내는 것도 꽤 즐거웠습니다.

사실 둘은 신분상 결코 친구가 될 수 없는 사람들이지요. 지주의 딸과 소작농의 딸이라는 설정 외에도, 인텔리와 비-인텔리라는 차이점도 존재합니다. 하지만 이들은 파트너 및 동료로, 또 친구로 우정을 쌓아갑니다. 사라가 마리아에게 ‘존경한다’고 말하게 되는 것은 사실, ‘민중의 생생한 힘’을 깨닫게 되는 인텔리의 모습이기도 해요.

게다가 정서가 의외로 비-미국적이에요. 사실 이 영화는 미국 자본이 안 들어갔습니다. 굳이 말하면 유럽산이죠. 2차대전 일으키고 전 세계를 상대로 경쟁적으로 땅따먹기 놀이를 했던 유럽의 소위 선진국들이 미국 까는 걸 보는 건 우리같은 제3세계 국가 사람 눈엔 우습기 매한가지이지만, 그래도 미국은 현재 그런 소위 선진국들조차 반감을 드러내는 전세계 악의 축이 아닙니까?

남미 먹으려고 안달하고, 금융자본으로 밀고 들어가서 민중들 삶을 쑥대밭으로 만드는 게 없었던 일도 아니고, 현재에도 전세계 여러 곳에서 여전히 진행되고 있는 일인걸요. 사실 그런 현실에 대한 꽤 직설적인 비유이기도 합니다. (너무 직설적이라 ‘비유’라고 하기도 민망하지요.) 그 와중에 이 언니들의 은행강도짓들은 나름의 도덕적 정당성을 얻게 됩니다. 오죽하면 수사관이 동참을 하냔 말이죠.

하긴, 원래 미국에서 그토록 아웃로 영화들이 성행했던 것도 사실은 1930년대 대공황에 대한 기억과 전쟁 때 한몫잡고 대공황 때 위세를 크게 떨친 금융자본들에 대한 반감 때문일테니까요. 그리고 바로 그 이유 때문에, 워낙 제도교육을 통해 굳어진 머리로는 계속 조마조마한 위기감을 느끼면서도, 제 가슴은 은행강도 영화에 그렇게 호감을 느끼는 것이겠죠.

아름다우십니다, 언니들... >.<

이 언니들이 그저 ‘소박한’ 동기에서 은행강도로 활약하다 사형대로 잡혀가는 길에 마을 사람들에게서 구조받고서 (엉겁결에, 혹은 분위기에 휩쓸려) 외치게 되는 “멕시코 만세!”도 (그 민망함에도 불구하고) 꽤 찡하죠. 민족주의나 국가주의나, 적어도 억압받는 시절에서는 저항하는 이들을 묶어주고 단결시켜주는(그리고 나의 한계를 벗어나 다른 이를 생각하게 해주는) 이데올로기이기도 하니까요.

아주 즐거운 영화입니다. 삶의 피로와 더위가 주는 피곤에 지치신 분들께 당장 구해서 감상해 보시라 권하고 싶군요. ^^

영진공 노바리

“브로큰 임브레이스”, 비극적 멜로와 영화 만들기

<귀향>(2006) 이후 3년만에 찾아온 페드로 알모도바르 감독의 신작입니다. 페넬로페 크루즈가 다시 한번 비극적인 운명의 주인공 역을 맡고 있는데요, 페드로 알모도바르 감독 작품치고는(?) 매우 통속적인 줄거리의 영화이지만 그 이야기를 풀어나가는 방식에서 있어서는 역시나 감독 특유의 색깔을 재삼 확인할 수 있는 작품입니다.

대기업 총수의 정부가 영화배우의 꿈을 이루는 과정에서 감독과 사랑에 빠지고, 두 사람은 질투심에 가득찬 총수의 손아귀에서 벗어나기 위해 모든 것을 버리고 사랑의 도피를 합니다. 페드로 알모도바르 감독은 이런 단순한 이야기를 15년 전의 과거사로 설정해놓고 현재 시점으로부터 조금씩 캐내어 관객들 앞에 펼쳐보이는 방식을 취합니다. 이를 통해 고전적이라 할 만큼 뻔한 내용의 치정극이 이제는 돌아갈 수 없는 아련한 과거 시점의 아픔으로서 전달되게끔 하는 것이지요.

* 스포일러가 있습니다 *

<브로큰 임브레이스>는 페드로 알모도바르 감독의 영화에 관한 영화이기도 합니다. 레나(페넬로페 크루즈)와 마테오(루이스 호마르)가 만나고 사랑한 것은 다름아닌 영화를 매개로 이루어진 것이었고 그 사랑은 질투심에 눈이 먼 자본가 어네스토 마르텔(호세 루이스 고메즈)에 의해 산산조각이 나고 말지요.

레나와 함께 시력까지 잃어버린 마테오는 두 사람이 함께 묵었던 도피처에서의 이름, 해리 케인이라는 이름으로 오랜 세월을 살다가 마침내 마르텔의 죽음을 신문 기사로 접하고 과거의 사랑을 복원하기 시작합니다. 마르텔의 손에 의해 최악의 작품으로 편집되어 버린 영화 속 영화 “여인과 가방”이 마테오와 레나를 만나게 해준 작품이었던 동시에 두 사람의 사랑이 빚어낸 결실이었다고 본다면 이 영화를 복원하는 과정은 곧 마테오에게 있어 레나와의 사랑을 불멸의 것으로 남기기 위한 마지막 여정이라고 할 수 있겠습니다.

<브로큰 임브레이스>의 플롯에서 흥미로운 부분들 가운데 하나는 메이킹 필름을 찍는다며 마테오와 레나의 뒤를 쫓아다니던 마르텔의 게이 아들이 결과적으로는 맹인 작가 해리 케인으로 살고 있던 마테오가 레나에 대한 사랑의 기억을 되찾는 과정에서 가장 중요한 역할을 하고 있다는 점입니다.

메이킹 필름의 카메라를 피해 사랑을 나누었던 두 사람은 그 카메라를 통해 레나가 마르텔에게 이별을 통보하기도 하고 아이러니하게도 먼 훗날 마테오에게는 레나와의 마지막 순간을 추억하는 결정적인 매개체가 되어 주기도 합니다.

조악한 디지털 화면 속에 담긴 마테오와 레나의 마지막 입맞춤 장면을 통해 살아남은 자의 슬픔이 애절하게 표현되고, 그 뒤를 이어 레나가 연기했던 화려한 색감의 복원판 “여인과 가방”이 이어갑니다. 사랑의 기쁨도 슬픔도, 사랑에 대한 추억까지도 모두 영화와 함께 이루어지는 세계가 <브로큰 임브레이스>에 담겨있습니다.

영진공 신어지

빨간 구두 (Non Ti Muovere, 2004), “전통적 영화감상의 익숙한 쾌감을 주는 영화”


인상 깊게 본 영화들 중에는 기존에 가장 중요시되던 피사체인 인물 보다, 인물 주변의 공간으로 시선을 분산시킴으로써 새로운 미감을 얻을 수 있게 해주는 작품들이 많았다. 펜엑 라타나루앙 감독의 <라스트 라이프 라스트 러브>에서 돋보이는 건 단연 아사노 타다노부의 존재감이었지만 그를 바라보는 크리스토퍼 도일의 시선 또한 한 편의 영화를 새로운 경지로 끌어 올려주고 있었다고 기억한다. <토니 타키타니>에서는 전면이 유리로 된 공간을 재사용하면서 새로운 의미를 부여하기도 하고, 또한 엄청나게 많은 옷들을 치워버린 텅 빈 방 안 속의 인물을 그 자체로 하나의 정물처럼 배치한다.

또 어떤 영화들은 내러티브 구조에 변화를 주거나 현실과 환상, 현재와 과거, 또는 픽션과 넌픽션의 경계를 모호하게 만들면서 영화의 주제를 드러내기에 좀 더 적합한 전개 방식을 시도한다. 정지우 감독의 <사랑니>에서 가장 돋보이는 요소 역시 과거와 현재의 사건들을 하나의 연결고리로 묶고, 서로 다른 입장의 여러 관계들을 현재 시점의 앞마당으로 전부 불러모음으로써 작가가 말하고자 했던 바를 영화의 전개 방식 자체로써 이미 전달하고 있다는 점이었다. 그리고 마이클 윈터바텀의 <인 디스 월드> 같은 경우는 아예 영화를 만드는 방식 자체에 변화를 주기도 했다.

이러한 경향들 속에서 <빨간 구두>는 한참이나 뒤쳐지고 있는 듯한 느낌을 주기도 한다. 영화 작법에 있어서 어떤 새로움을 시도하고 있는 부분도 없고 이야기의 내용이나 갈등 구조 또한 무척 익숙한 편에 해당하는 그런 정도다. 그러나 <빨간 구두>가 관객들에게 주는 임팩트, 충만감의 정도는 최근에 볼 수 있었던 어떤 영화들에게도 뒤지지 않는다. 이 영화의 힘이라는 것은 오직 두 명의 배우, 원작 소설을 직접 각색하고 연출까지 한 세르지오 카스텔레토와 페넬로페 크루즈에게서 나온다.

배우 출신인 연출가가 애초에 의도했던 것 역시 배우들의 역량에 모든 것을 의지하는 쪽이었던 듯, 관객들은 영화를 보는 동안 시종일관 배우들의 꽁무니를 졸졸 따라다니게 되고 그런 수동적인 관람 방식에서 오히려 전통적인 영화 감상의 익숙한 쾌감을 맡보게 된다. 많은 경우에 영화가 전달하려는 특정 씨퀀스의 정서를 배경 음악과 같은 장치들로써 관객들에게 ‘지시하는’ 것처럼 느껴지곤 하는데, <빨간 구두>의 경우는 배우와 관객 간의 흐름을 아무 것도 방해하지 못한다. 방해가 될만한 모든 것들을 모두 자제시켜서라기 보다는 그만큼 배우들의 흡입력이 압도적이었다는 얘기를 하고 싶다.

영진공 신어지